Pensamiento

Pensamiento

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y el CA2M cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante tres jornadas se realizan presentaciones de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2015 con el fin de generar un espacio de encuentro con los artistas en residencia seleccionados para el año 2016. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia producción artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2015 son: Alejandra Pombo, Ignacio de Antonio, Los bárbaros: Miguel Rojo & Javier Hernando, Marisol López Rubio, Poderío vital, Silvia Zayas y Terrorismo de autor

Los artistas seleccionados para 2016 son: Lilli Hartman, Gérald Kurdian, Norberto Llopis, Julián Pacomio , Claudia Pagés, Quim Pujol y Silvia Ulloa

PROGRAMA

MIÉRCOLES 10 FEB. 22:00 — 23:30 H.
Patio de la Casa Encendida
Parallax, Silvia Zayas
Parallax es una pieza escénica de luz, sonido y montaje que indaga en la representación de “guiones” teatrales o ficciones de la guerra de ultramar, en concreto, la historia del puente de Farim (Guinea-Bisáu). ¿Qué sucede cuando las imágenes de la película se producen en la mente del espectador y esas imágenes se vuelven incontrolables por parte de quien intenta crearlas?

Mezclando ficción y documental, se va articulando un dispositivo a modo de coreografía entre luz, sonido y montaje, para la apertura de narrativas al futuro e incluso a la ciencia ficción. Parte de una anécdota sobre un puente en la provincia de Farim (Guinea-Bisáu), donde la ficción se entremezclaba con la realidad a través de una locutora de radio a la que llamaban María Turra.

Este trabajo forma parte de una investigación, ya iniciada y concretada en una serie de trabajos previos como Ballets Roses, São Tomé Revisitado o Pêro Escobar vs. Elvis Presley sobre el colonialismo portugués iniciado desde la memoria familiar, pero que pretende no quedarse anclado en ella (jamás). Lo familiar en esta serie de trabajos es solo un detonante para el surgimiento de trabajos tanto escénicos como ligados a la producción audiovisual a medio camino entre ficción y documental. "No sólo me interesa la investigación histórica, y la búsqueda de ‘conexiones precarias’ o absurdas con el presente, sino que busco al mismo tiempo formas de llevar lo documental a diferentes dispositivos escénicos para trabajar en un tiempo y un espacio compartido con los espectadores (algo que aparentemente no permite el cine)".

Habrá un coloquio con el público tras el espectáculo

Precio: 5.00€

JUEVES 11 FEB. 18:30  —  19:30 H.
Casa Encendida
It’s Called Listen, Alejandra Pombo
Película basada en un proceso performativo que, a partir de situaciones íntimas, sin guión previo ni equipo de rodaje y con una cámara doméstica, propicia el encuentro con algo que no se sabe de antemano.

It’s Called Listen (19’) es una película basada en un proceso performativo, lo que hace de su autora performer de la misma a todos los niveles (edición, sonido, actuación o grabación).

No se trata de entender, sino de sentir las imágenes y sintonizar con el ritmo para explorar una narrativa que se crea en el presente como forma de apertura que potencie una transformación de la relación entre espectador y película. Para degustarla, por tanto, hay que enfrentarse a sus imágenes como un ciego, tanteando su superficie y avanzando en la oscuridad. La falta de información es parte de su belleza. Una historia del presente no puede ser información.

Apoyado por: PACT Zollverein, The project What is third, CA2M y La Casa Encendida.

Habrá un coloquio con el público tras la proyección

Entrada libre

VIERNES 12 FEB. 18:30  —  19:30 H.
En el CA2M
Figurantes, Oriol Nogués
Nogués presentará su película Figurantes (10’), relato de una comunidad latente –dos corales amateur de una misma ciudad- a partir del testimonio y la acción, para hacer figurar los vínculos obligatorios entre los cuerpos y los eventuales reductos de humanidad que puedan dar lugar a ciertas formas de esperanza.

Este trabajo es parte de una reflexión más extensa sobre la creación y la gestión del valor simbólico de los colectivos amateur y sobre su capacidad de (auto)narración y anclaje en el lugar. Para tratar cómo y con qué causas y con qué consciencia de sus efectos se desarrollan las prácticas amateurs del arte hoy.

Habrá un coloquio con el público tras la proyección

Entrada libre

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10, 11 y 12 de febrero de 2016
Entradilla

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante tres jornadas se realizan presentaciones de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2015 con el fin de generar un espacio de encuentro con los artistas en residencia seleccionados para el año 2016.

Subtítulo
JORNADAS / MUESTRA DEL PROGRAMA DE ARTISTAS EN RESIDENCIA 2015
acento 2016
ACENTO 2016
Tipo Pensamiento / Comunidad
Temas Pensamiento
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Duración
3 sesiones
¿Es un ciclo?
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Artistas en Residencia es un programa que se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M. Por ello los proyectos seleccionados son aquellos que mejor responden a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia por tanto, no es un programa destinado exclusivamente a la ayuda a la producción, sino más bien una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Los artistas seleccionados para el programa Artistas en Residencia 2016 son:

- Lilli Hartman y Pablo Durango con el proyecto: Welcome Home
- Gérald Kurdian con el proyecto: TRKTV
- Norberto Llopis con el proyecto: The Capitalist (El Capitalista)
- Julián Pacomio con el proyecto: Espacio Hacedor
- Claudia Pagés con el proyecto: Columna/Garganta
- Quim Pujol con el proyecto: El Dr. Mabuse contra Gloria Gaynor
- Silvia Ulloa con el proyecto: Atlas

LILLI HARTMAN Y PABLO DURANGO. Welcome Home

Welcome Home consiste en una investigación sobre el estado de "sentirse en casa", tanto en su presencia como en su ausencia. El punto de partida serán entrevistas personales con individuos pertenecientes a grupos que se consideran marginados. Las historias y experiencias reunidas en torno al hogar, la pertenencia / exclusión y la normalidad en las afueras de nuestra sociedad formarán la base de una actuación, que consta de varias actuaciones cortas, cada una, una especie de retrato. Estos "retratos" serán presentados por un solo intérprete, que encarnará a todas las personalidades diferentes, transitando de una a otraen el escenario.

Lilli Hartmann (Alemania, 1976) realizó sus estudios de Bellas Artes en Chelsea College y en el Royal College of Art en Londres. Es una artista que parte del extrañamiento de nuestro entorno a través de mecanismos propios de la infancia como son el juego, el disfraz o el cuento para provocar una mirada creativa a lo que nos rodea. Así, utiliza normalmente su cuerpo en acciones llenas de humor pero que logran trastocar los espacios en los que incide y a las personas que participan de la experiencia.

http://www.lillihartmann.com/  

Pablo Durango (Madrid, 1988) es coordinador en “El Tipi”, espacio autogestionado en Madrid. Ha participado en Acción!Mad 2013/2014/2015. Su obra coma, beba, vea fue seleccionada para Entreacto 2014, exponiéndose en la galería L21. En 2015 quedó finalista en Intransit con su obra “Lugar de trabajo”. En la actualidad coordina el grupo de teatro The Last Assembly, becado por Injuve en 2016.

Su trabajo se centra en las artes en vivo y en el video, aunque en muchas obras hace uso del dibujo, la instalación y el diseño. En su obra reflexiona acerca de los ejercicios y estructuras de poder que atraviesan las nuevas formas de comunicarse y percibir la realidad y como afecta esto a la configuración de identidades propias.

welcome home

GGÉRALD KURDIAN. TRKTV

Desarrollado junto a antropólogos, activistas queer y especialistas en anticipación, psíquicos, meteorólogos, estadísticos, escritores de ciencia ficción, el proyecto TRKTV se apoya en una lectura colectiva del Manifiesto Cyborg de Donna Haraway, hacia una traducción musical y performativa de sus proyectos socio - políticos. Se deriva de un deseo de inventar y experimentar, gracias a los medios conjuntos de la música electrónica, el documental y el rendimiento, las prácticas artísticas, culturales, políticas o sexuales de un cuerpo imaginario del cyborg. Se desarrolla en el marco de THEORY CONCERTS, conciertos de música electrónica en directo a medio camino entre la conferencia, el concierto y la instalación sonora realizada en directo por Gérald Kurdian.

Gérald Kurdian, músico, intérprete y radio-artista, estudió artes visuales en la ENSAPC antes de entrar en el programa de danza contemporánea “Ex.e.r.ce 07 – CCNMLR”,  bajo la dirección de Mathilde Monnier y Xavier Le Roy.

Sus conciertos oblicuos inspirados en los géneros de la comedia de pie, musical o recital, - Royal Gala (2005), 1999 (2009), 18 Chansons (2010), Mi primera canción del club (2011), The Magic of Spectacular Theatre (2012), La Solidité des choses (2014), TRKTV y Theory Concerts (2015-16) - son oportunidades alegres para inventar sinergias entre las prácticas de la música electrónica, el arte de performance y el documental. http://www.geraldkurdian.com/concerts/

GGÉRALD KURDIAN

NORBERTO LLOPIS. THE CAPITALIST(EL CAPITALISTA)

- ¿Soy “Don Quijote”? ¿soy “Don Quijote” un poco “El idiota”?, ¿soy “Don Quijote”, “El idiota”,“El Capitalista”?
Guilles Deleuze en su libro Qué es la filosofía? escribe sobre los personajes conceptuales. Un personaje conceptual no es un tipo psico-social sino más bien una manera de acercarse a la perspectiva en el pensamiento (por simplificar). Deleuze escribe sobre el personaje conceptual de “El Idiota” de Dostoiesky casi como un paradigma de la filosofía moderna, como un sujeto indiferente, esto me hizo pensar en ese otro personaje, “Don quijote”, el personaje de la representación compulsiva que también me parece relevante y efectiva en nuestros días. Me preguntaba si se podría definir como personaje conceptual el tipo psico-social de “El capitalista”. ¿Cuál sería la epilepsia de “El capitalista? ¿cuál sería la ilusión, la locura del capitalista?;

-El capitalista piensa-, -El capitalista dice-, -El capitalista hace-, -El capitalista baila-, -El capitalista desea-…

En este proyecto me gustaría explorar el personaje de “el capitalista” desde los conceptos de la repetición y la diferencia. La cuestión sería, ¿cómo repite “el capitalista”? ¿Cómo se relaciona el capitalista con la diferencia y la repetición?

El capitalista es esa persona que escucha las intensiones, que escucha los contenidos, pero piensa y actúa en algoritmos.

La forma

- Dos performers
- Una restricción; puedes parar de hacer lo mismo que tu compañero está haciendo, siempre y cuando lo hagas haciendo exactamente lo mismo que tu compañero está haciendo al mismo tiempo que tu compañero lo hace-, o dicho de otra manera,- podéis parar de repetir simultáneamente exactamente lo que el otro compañero está haciendo, siempre y cuando lo hagáis haciendo exactamente lo mismo simultáneamente-.

Norberto Llopis Segarra nació en Valencia, y actualmente vive y trabaja en Madrid. Graduado en Danza y Coreografía por el Institut del Teatre de Barcelona, Máster en Artes Performativas en DasArts, Ámsterdam, y estudia Filosofía en la UNED. Ha desarrollado su trabajo en Barcelona, Bruselas y los Países Bajos. Ha participado en diversos procesos creativos con artistas como Carolien Hermans, Paz Rojo, Diego Gil, Jefta Van Dinther y Nada Gambier, entre otros.

JULIAN PACOMIO. ESPACIO  HACEDOR
Si existe un vacío entre dos iguales, es ahí donde se sitúa el Espacio Hacedor ¿Cuál es el potencial oculto bajo el ejercicio de copiar? No es sólo detectar lo invisible que se oculta tras la copia, sino también construirlo.

Espacio Hacedor es un proyecto de investigación que propone identificar, analizar y construir de manera arquitectónica los posibles espacios que se ubican entre un original y su copia. Nuestro interés radica en el potencial estético del espacio que se encuentra entre dos productos casi idénticos. Asumimos que en el proceso de copiar o rehacer un producto, del tipo que sea, tiene dos consecuencias inevitables: la primera, la copia no solo produce un producto nuevo diferenciado del original, sino que produce un tercero resultado de la lectura del original y su copia conjuntamente (1 + 1 = 3). La segunda consecuencia es la que abre la posibilidad de identificar una imagen invisible entre dos imágenes. Esta es la que interesa en Espacio Hacedor.

El proyecto está pensado en relación a la obra de Jorge Luis Borges, Agustín Fernández Mallo e Isidoro Valcárcel Medina. Una aproximación desde el cuerpo y el espacio escénico, al trabajo literario, conceptual y arquitectónico de los autores mencionados.

Julián Pacomio (Mérida 1986) Licenciado en Bellas Artes y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual con Artea y el Museo Reina Sofía.  Entre algunos trabajos destacados están My Turin Horse, Psicosis Expandida y Espacio Hacedor (ganador de la convocatoria Utopías de Frinje 2016), proyectos de artes escénicas que indagan la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos. También ha sido participante de Teatralidades Expandidas. Cuerpo y democracia, y del itinerario Cuerpo, Archivo y Memoria organizados por Artea en los dos últimos años.

Miguel del Amo (Santibáñez de la Peña, Palencia 1990)  Licenciado en Arquitectura por la ETSA de Valladolid y la Budapesti Műszaki és Gazdaságtudományi Egyetem, mantiene un interés sobre la arquitectura  y el diseño basados en enunciados desde los aspectos más funcionales hasta los menos explorado por estas disciplinas. Actualmente trabaja en un estudio en Madrid y desarrolla trabajos por cuenta propia.

espacio hacedor

CLAUDIA PAGÉS. COLUMNA/GARGANTA

COLUMNA GARGANTA empieza con la creación de una publicación separada en dos: un vinilo en el que escuchar el recital de un monólogo que parte de experiencias personales para hablar de procesos de individualización de los sistemas sanitarios, de la injerta de pastillas, del uso de la voz y de las nuevas tecnologías del amor. Y de un librito donde se trabaja la escritura de una forma transubjetiva y multitudinaria, apareciendo el diálogo y la narración, con cuerpo de coro griego y de columna Trajana, y con crisis a los líderes y a lo común. A partir de ésta publicación y de diferentes elementos que he ido generando (objetos y vestuario) bajo el mismo nombre, quiero distanciarme de ellos y construir el cuerpo escénico de COLUMNA GARGANTA para llevármela a la performance y a la escena a partir de las mismas premisas que el resto del conjunto.

Claudia Pagés. Barcelona (1990). Vivo entre Barcelona y Ámsterdam
En mi trabajo, circulo conversaciones entre textos, publicaciones, performances y objetos. Juego con las tecnologías del cuerpo, organizo textos y palabras para investigar cómo la economía, el lenguaje y el placer están interconectados con la palabra, las canciones y la palabra hablada en el seno de las comunidades y del trabajo.
Así como mis objetos dialogan con la distribución y la circulación, el resultado de mis textos se remodela, cada vez, convirtiéndose en oral o escrito, impreso o audio, efímero o eterno. http://www.claudiapagesrabal.com/

Claudia Pagés

QUIM PUJOL. EL DR MABUSE CONTRA GLORIA GAYNOR

Este proyecto propone investigar posibles derivas del transformismo (entendido como práctica donde un individuo encarna una multitud de entidades durante un breve espacio de tiempo, a no confundir con el travestismo) que resulten relevantes desde una óptica contemporánea.

Para llevar a cabo esta tarea sugerimos tres líneas de investigación diferentes. En primer lugar, el transformismo como práctica de transición con analogías con la performance entendida como exploración de la liminalidad. En segundo lugar, el transformismo entendido como práctica de devenir donde la vida consiste en un flujo en movimiento. En tercer lugar, una exploración del embodiment (encarnación) y los afectos como elementos clave para ser “poseído”, ya sea a nivel individual o colectivo.

Quim Pujol (1978) es escritor, comisario y artista. Trabaja en los límites entre la escritura, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Entre el 2010 y el 2011 participa en el proyecto de investigación de Artea Autonomía y complejidad sobre la relación entre performance e historia. Ha participado en las exposiciones Allan Kaprow. Otras maneras e Intervalo. Acciones sonoras (Fundació Antoni Tàpies).

Ha colaborado con publicaciones como Artributos, Efímera, Maska, Repensar la dramaturgia, A veces me pregunto por qué sigo bailando e In-presentable 2008-2012, entre otras. Ha co-editado junto con Ixiar Rozas el volumen sobre teoría afectiva Ejercicios de ocupación (Ediciones Polígrafa, 2015). Fue co-comisario de la Secció Irregular del Mercat de les Flors entre el 2011 y el 2015. http://www.tea-tron.com/quimpujol/blog/

SILVIA ULLOA. ATLAS

"Atlas es un proyecto cinematográfico que se desarrolla a partir de una selección de imágenes de mi propia colección de trabajo, recopilada a lo largo de los últimos 6 años. Usando esas imágenes como punto de referencia formal, Altas genera diversas transformaciones de esos materiales a través del uso de la cámara como un cuerpo que escribe, que piensa, que busca.

En Atlas es importante tanto lo que ocurre delante de la cámara como lo que ocurre detrás. ¿Cómo se genera lo que se enseña? La cámara se concibe como un cuerpo mediático capaz de generar significados diferentes a partir de materiales iguales, en función de las distintas situaciones espacio-temporales donde los materiales de Altas se despliegan.

Atlas es un trabajo sobre la naturaleza de la imagen. Por un lado el dónde se generan las imágenes y por otro el cómo, a través del tiempo y del movimiento de la cámara."

Mi proceso de trabajo se basa en la observación y la especulación. Al acumular ideas, imágenes, bocetos y anotaciones, construyo mapas mentales. Miro las nociones de la imagen y los procesos de cómo las imágenes aparecen o se revelan y cómo interpretamos y trazamos el significado en ellas. Con mi trabajo intento comprender los mecanismos detrás de nuestros procesos de percepción, darnos cuenta de que las construcciones pueden ser desafiadas y por lo tanto, alteradas y transformadas. Para hacer eso, miro los intersticios, los espacios entre las construcciones, los agujeros, las grietas. Son espacios ocupados por lo invisible, lo monstruoso, la imaginación, por "aquello" que aún no es evidente, revelado o categorizado, y aún sin forma y sin significado. Son espacios para el surgimiento. Por lo tanto, miro el intervalo como el lugar de la activación, como el lugar de la poética.

http://cargocollective.com/silviaulloa 

atlas

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2016
Entradilla

Artistas en Residencia es un programa que se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M. Por ello los proyectos seleccionados son aquellos que mejor responden a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia por tanto, no es un programa destinado exclusivamente a la ayuda a la producción, sino más bien una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Artistas en residencia 2016
ARTISTAS EN RESIDENCIA 2016
Tipo Pensamiento / Comunidad
Temas Pensamiento
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¿Es un ciclo?
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Artistas en Residencia es un programa que se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M. Por ello los proyectos seleccionados son aquellos que mejor responden a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia por tanto, no es un programa destinado exclusivamente a la ayuda a la producción, sino más bien una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Los proyectos seleccionados para el programa Artistas en Residencia 2015 han sido:

Alejandra Pombo. It’s Called Listen, es una película basada en un proceso performativo, lo que hace de su autora, realizadora e intérprete de la misma. La película se convierte en una extraña mezcla entre Woody Allen y Chaplin – pero en todo su conjunto diferente- ya que ella está en la imagen en vez de activándola. Usando una cámara doméstica, sin guión, sin equipo de rodaje, para tener la libertad y la independencia de sacar provecho de las circunstancias y posibilidades del momento, la película se configura como una sucesión de imágenes y acciones que exploran una narrativa a través de diferentes capas de referencia que se entrelazan en base a la idea formal del agujero. Un agujero es una canal que permite que surja una subjetividad en relación con lo diferente. Cuando hay un agujero es que algo está por emerger. Cuando un agujero se mueve, una superficie es inventada. "Quiero convertir una película en un colador como forma de apertura que potencie una transformación de la relación  entre espectador y película a la que estamos acostumbrados."

Alejandra Pombo

Ignacio de Antonio. Unperformanceaperformance es una investigación en proceso a través de una serie de piezas de performance. Con el ánimo de explorar como la performance, o la performatividad, trabaja en las relaciones cuerpo – espacio – tiempo en la condición de dispositivo social. Propone una serie de preguntas, en forma de serie de piezas, desarrolladas a través de la práctica crítica, donde el trabajo arroje cuestiones sobre la performance, la teatralidad de ‘lo real’ y la práctica como investigación artística. Si bien la cuestión que acompaña todo el proceso tiene que ver con nuestra condición ineludible de espectadores.

Ignacio de Antonio

Los bárbaros: Miguel Rojo & Javier Hernando. Al nacer, nacemos insertados en un modelo político que parece será inamovible, de manera profunda -una vez superado el S. XX- a lo largo de nuestras vidas. Los que nacimos tarde no hemos vivido ni la ascensión ni la caída de los grandes movimientos socio-económicos: ni fascismo, ni comunismo. Nacemos, crecemos, nos reproducimos y posiblemente moriremos en el mismo sistema político. No son tiempos lo suficientemente convulsos. Caídas las ideologías, sólo podemos poner en cuestión los órganos de gobiernos, que a su vez, están atados de pies y manos para ejercer su cometido: gobernar. La economía marca el ritmo. ¿Cómo se derriban los sólidos pilares de un modelo político?, ¿quién los construye y cómo?

Los bárbaros

Marisol López Rubio. Las palabras y los cuerpos: My Favorite Things es un proceso de investigación escénica sobre la filosofía del lenguaje aplicada a la escena. Pretende encontrar respuestas prácticas a preguntas sobre los usos, afectos y juegos del lenguaje, analizar la representación, el habla, la clasificación, el cambio y el juego como posibilidades del lenguaje y trasladarlas a la escena, traducirlas a lenguaje escénico. Y quiere entonces preguntarse por el papel y posición del cuerpo en ese proceso. Quiere renombrarlo todo desde el cuerpo, descubrir los afectos del lenguaje en el espacio, sobrepasar lo posible de lo que podemos nombrar con palabras. www.ololoololo.com

Marisol López

Cómo cagarnos musicalmente de forma directa y vehemente en todo aquello que se supone inherente al vivir y que a nosotros nos resulta limitante como seres vivos.  Poderío vital presenta a los mecagüen
Poderío Vital. Oscar Bueno & Itxaso Corral

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PODERÍO VITAL

Silvia Zayas. El puente de Farim no existe es una pieza escénica que indaga acerca de las ficciones del antiguo imperio colonial portugués y las relaciones de una de sus antiguas colonias con el capitalismo actual. Mezclando ficción y documental, se va articulando un dispositivo que parte de especie de coreografía entre luz, sonido y montaje, para la apertura de narrativas al futuro e incluso a la ciencia ficción. Parte de una anécdota sobre un puente en la provincia de Farim (Guinea-Bissau) donde la ficción se entremezclaba con la realidad, a través de una locutora de radio a la que llamaban María Turra.

Este trabajo forma parte de una investigación, ya iniciada y concretada en una serie de trabajos previos como Ballets RosesSão Tomé Revisitado o Pêro Escobar vs. Elvis Presley sobre el colonialismo portugués iniciado desde la memoria familiar, pero que pretende no quedarse anclado en ella (jamás). Lo familiar en esta serie de trabajos es solo un detonante para el surgimiento de trabajos tanto escénicos como ligados a la producción audiovisual a medio camino entre ficción y documental. "No sólo me interesa la investigación histórica, y la búsqueda de “conexiones precarias” o absurdas con el presente, sino que busco al mismo tiempo formas de llevar lo documental a diferentes dispositivos escénicos para trabajar en un tiempo y un espacio compartido con los espectadores (algo que aparentemente no permite el cine)".

Terrorismo de autor
Terrorismo de autor plantea una pieza híbrida, un "desbordamiento de la pantalla"que implica trasladar a la escena su práctica audiovisual —documental, publicitaria, ensayística…—, además de su universo propio y referencial, a través de cuerpos performativos y dispositivos escénicos, que pongan en relación y confronten el propio espacio de representación con el público. Tres dimensiones conforman el cuerpo de la pieza y la experiencia que proponen al espectador. Un pasaje desde la anestesia del Espectáculo, donde éste coloniza territorios e imaginarios revolucionarios, pasando por su quiebra a través de la asunción del dolor y la humillación que infligen los medios de producción y las condiciones laborales, hasta llegar a ese vacío donde es posible la determinación: el delirio colectivo y la consiguiente abolición de la representación.

Terrorismo de autor es un colectivo anónimo-delirante nacido en 2012. A través de piezas audiovisuales de carácter político y social, se proponen protagonizar en la actualidad un remake estético e ideológico del mayo del 68 francés. Combinando humor, viralidad, activismo y nouvelle vague, plantean una acción revolucionaria que no sea ni violenta ni pacífica, sino creativa.

TERRORISMO

ARTISTAS EN RESIDENCIA es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo desde otras disciplinas ofreciendo a los artistas espacios para la experimentación y para la presentación de sus propuestas.

Artistas en residencia se articula en relación a la programación estable de LCE y el CA2M. Por ello se valorarán aquellos proyectos que mejor respondan a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. No es un programa destinado exclusivamente a la ayuda a la producción, sino más bien una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Fechas texto cabecera
2015
Entradilla

Artistas en Residencia es un programa que se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M. Por ello los proyectos seleccionados son aquellos que mejor responden a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia por tanto, no es un programa destinado exclusivamente a la ayuda a la producción, sino más bien una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

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Artistas en residencia 2015
ARTISTAS EN RESIDENCIA 2015
Tipo Pensamiento / Comunidad
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Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M cuyo fin es apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo ofreciendo a los artistas espacios para la experimentación, la reflexión y la presentación de sus propuestas.

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante tres jornadas se realizaron presentaciones de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2013 y donde se generó un espacio de encuentro con los artistas del 2014. En estos días ambas instituciones quisieron poner el acento en la reflexión que parte de la propia producción artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2013 fueron: Elisa Arteta,  Cristina Blanco, Pablo Esbert, Carmen Fumero, Martín Llavaneras, Cecilia Lisa Eliceche, Elpida Orfanidou y Juan Perno,  Ángela Peris, Jesús Rubio Gamo y Navidad Santiago.

Entrada libre hasta completar aforo.

PROGRAMACIÓN

JUEVES 13 FEB EN LCE

20.30h. Montando Cabos, de Carmen Fumero

Es un viaje a través de sensaciones. Dos individuos se relacionan con la intuición representada por sus manos, capaces de expresar deseo e impulso. A veces existe el acto espontáneo e intuitivo de ir en la misma dirección, otras veces la pretensión de guiar, y otras, de dejarse llevar. Las manos responden al deseo de recuperar esa emoción. Como resultado, una sensación pasada.

Carmen Fumero ha realizado varios proyecto en solitario, el más destacado, en 2011, contando con la colaboración de Laura Kumin y Daniel Abreu. En 2010 recibe una residencia en los Teatros del Canal a través del Certamen Coreográfico de Madrid, donde crea su primera obra de formato grande Ironía estrenada en el Teatro Padrillo en 2011. En 2013, recibe dos residencias coreográficas, una en los Teatros del Canal y otra en La Casa Encendida.

http://carmenfumero.blogspot.com.es/

21.30h. SuperFiciales, de Navidad Santiago

Es una reflexión sobre la capacidad comunicativa de la materia; desde el comportamiento de las partículas elementales hasta el comportamiento humano. Porque detrás de tanta ciencia moderna, de tantas fracturas y uniones, de tanto amor y desasosiego, de tanto cambio social, de tanta poesía o de tanta ficción; en nuestros patrones de conducta se lee el comportamiento de la materia más esencial... de los materiales más superficiales.

Navidad Santiago (Madrid, 1975) es licenciada en Sociología en la UCM. Madrid; Postgrado en Historia Política en Palachejo Universita. Olomouc. Rep. Checa y Danza Clásica: África Guzmán, SCAENA, Madrid Dance Center.

VIE 14 FEB EN EL CA2M

SESIONES DE APERTURA DEL PROCESO DE TRABAJO

19.00 h. Juan Perno habla del proceso de Elpid’arc, de Elpida Orfanidou y Juan Perno

Elpida Orfanidou y Juan Perno deciden sumergirse en una aventura imposible: copiar, reproducir uno de los más importantes trabajos de la historia del cine, la película muda La passion de Jeanne d’Arc (1928) dirigida por C.Th.Dreyer e interpretada por María Falconetti. Elpid’arces un film performance en el que el cine y el teatro se mezclan en una aleación alquímica; lo fascinante de este trabajo reside en el encuentro inesperado de lo místico con lo cotidiano y el humor.

Elpida Orfanidou es coreógrafa y performer griega; estudió danza y performance en Atenas, Arnhem, Montpellier y Londres. Ha desarrollado una serie de piezas en solitario que concluyeron en “One is almost never”. Ha creado trabajos conjuntamente con Herman Heisig (United States) y Juan Perno ( Elpid’arc) y como performer con Gui garrido, Tim Etchells, Mahela Rostek y Meg Stuart entre otras artistas.

Juan Pernoes licenciado en filosofía (UAM Madrid) y doctorado en estética, fotografía y video (UPV Valencia). Ha enseñado en diferentes centros y espacios video en tiempo real y live cinema, ha sido director creativo en publicidad digital durante 4 años en Italia; actualmente desarrolla proyectos centrados principalmente en el apropiacionismo en diferentes disciplinas como el video, la fotografía y las artes escénicas. Elpid'arc es su último trabajo en coproducción con HAU Theatre Berlín y la Fundación Onassis de Atenas además del soporte de La Casa Encendida y CA2M.

http://www.juanperno.com/

http://vimeo.com/elpidaorfanidou

20.30h. Código abierto de el agitador Vórtex, charla sobre el proceso con Cristina Blanco

El agitador Vórtex es el nuevo proyecto con el que Cristina Blanco se ha embarcado ahora. Partiendo del deseo de trabajar con distintos géneros (cine, ópera, teatro, musical, etc.) está investigando las convenciones de cada uno para poder cuestionar sus normas y mezclarlos de la manera más sorprendente. Un collage en vivo de géneros que dialogan entre sí, rompiendo con los códigos que los conforman, cuestionándose la naturaleza de los mismos y jugando a cambiar sus normas. ¿Por qué asociamos una orquesta sinfónica con tonalidades disonantes a una película de miedo? ¿Qué ocurre si en los créditos de una película de James Bond suena música tradicional con gaitas gallegas? ¿Cómo cohabitan E.T. y un obispo en el Far West? ¿O una sevillana con un ninja en una nave espacial?

Cristina Blanco después de diplomarse en Teatro Gestual por la RESAD, trabaja como actriz en varias compañías de teatro, se interesa por la danza y hace algunos talleres, protagoniza algunos cortos de cine y canta en algún que otro grupo de música. En 2004 crea su primer solo: cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE. En 2006, crea caixa preta_caja negra en colaboración con la coreógrafa brasileña Claudia Müller. En 2008 estrena The Nevestarting Story, un proyecto de Cuqui Jerez, María Jerez, Amaia Urra y Cristina Blanco. En octubre de 2009  estrena en Madrid The Croquis Reloaded, un trabajo de Cuqui Jerez con Cristina Blanco. En septiembre de 2010 presenta TELETRANSPORTATION instalación/pieza creada para el festival Mapa y en octubre estrena ciencia_ficción, un solo-charla-proceso-blog-concierto. http://www.tea-tron.com/cristinablanco/blog/

SAB 15 FEB EN LCE

17.30h. Impermanencia, de Elisa Arteta

Propone al espectador una experiencia corpórea, visual y sonora que hace referencia al cambio constante, al no retorno. Una situación en la que el movimiento de la artista está limitado, y debe entonces adaptar su cuerpo al medio que habita. En el transcurso del tiempo va dejando tras de sí un rastro definido que queda como memoria de lo allí ocurrido. Mientras tanto, el público puede desplazarse libremente por la instalación y elegir la duración de su experiencia.

Elisa Arteta se dedica a la práctica de la danza, entendida de una manera muy amplia. Su trabajo muestra un gran abanico de intereses, desde el uso de la videocámara, al estudio de la propiocepción o la búsqueda de cómo integrar diferentes temáticas en la práctica escénica. En la actualidad se cuestiona la intencionalidad de ese cuerpo que se presenta en escena y el sentido del concepto mismo de coreografía, y busca siempre contextos muy diferentes donde presentar sus trabajos. http://elisaarteta.com/

18.30h. Sonidear un espacio, de Ángela Peris Alcantud

Es inventar una nueva realidad sonora. Esa realidad existe, está aquí mismo, nos envuelve. Para que este mundo salga a la luz hay que vibrarlo, contarlo, anotarlo, susurrarlo, desmenuzarlo, percutirlo y mostrarlo. La idea de sonidear surge a partir de la necesidad de crear movimiento mediante el sonido. Este sonido puede estar generado por nuestra propia imaginación, o bien por un factor externo (todos aquellos sonidos que nos rodean). En ambos casos, tanto mediante el sonido interno como mediante el externo, surgen unas frases con el cuerpo y con la voz que finalmente concluirán en una partitura rítmica, una pieza de sonido y movimiento. Sonidear es vivenciar unas islas sonoras que en conjunto crearán un archipiélago ruidoso inventado.

Ángela Peris Alcantud es licenciada y Master en Comunicación Audiovisual; ha estudiado coreografía y danza en Martha Graham School y Dance Space Center (ahora DNA) de Nueva York; en SNDO, School for New Dance Development, de Holanda, y en el Institut del Teatre de Barcelona. Su trabajo busca el punto de unión entre el movimiento, la voz y el pensamiento. En 2012 crea la pieza para público infantil ALLES, junto con la artista Alma Söderberg. Además desde 2011 trabaja como artista colaboradora en la Fundación Yehudi Menuhin España dentro del programa Mus-e, arte por la convivencia.http://angelaperis.blogspot.com.es/

20.00h. El Rapto de Europa (2013 - ad infinitum), de Jesús Rubio Gamo.

En busca de una memoria subjetivo-colectiva no histórica

Jesús Rubio Gamo pretende crear un espacio de encuentro en la ciudad de Madrid con el objetivo de construir una memoria colectiva de carácter subjetivo y emocional. Se trataría de la construcción de un “monumento memorial emocional escénico” que pueda compartirse con otros a través de muestras del mismo y de actividades complementarias en torno al proceso como mesas redondas o debates.

Jesús Rubio Gamo (Madrid, 1982) ha realizado un máster en Práctica Escénica Y Cultura Visual. Universidad de Alcalá de Henares y Museo Nacional Reina Sofía. 2011-2012. Es dramaturgo. Co-autor de los textos presentados por la Sala Cuarta Pared, Madrid, en la Noche en Blanco 2010; coreógrafo invitado, representante español en el Festival Internacional Das 6 Tagen Rennen. Creación de una pieza con residencia en Pact-Zollverein, Essen. Actuaciones en Madrid, Lucerna y Essen. Coproducción Alemania-España-Suiza, 2010. http://www.jesusrubiogamo.com/

21.30h. Going nowhere together, de Pablo Esbert

Es una performance que parece un concierto, un ritual que parece un solo de danza, una experiencia colectiva que parece un espectáculo. Durante dos meses he invitado a otros artistas, amigos, familiares y desconocidos para pasar un día conmigo. Un día con cada uno para compartir juntos una práctica sonora y física. Para reflexionar y descubrir juntos hacia ningún lugar conocido.
http://goingnowheretogether.wordpress.com/

Pablo Esbert Lilienfeld crea desde el 2005 sus propios trabajos escénicos y audiovisuales. Colabora estrechamente con el italiano Alessandro Sciarroni además de otros coreógrafos europeos. Desarrolla una actividad paralela como músico y vídeo creador. Se formó en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense, Danza Contemporánea en el RCPD y música en la Escuela de Música Creativa.
www.pabloesbertlilienfeld.com

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13, 14 y 15 de febrero de 2014
Entradilla

En estos días, CA2M y LA CASA ENCENDIDA quisieron poner el acento en la reflexión que parte de la propia producción artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Subtítulo
JORNADAS /MUESTRA DEL PROGRAMA DE ARTISTAS EN RESIDENCIA 2013
Categoría cabecera
Acento 2014
ACENTO 2013
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Tipo Pensamiento / Comunidad
Temas Pensamiento
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Artistas en Residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M, cuyo fin es apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo ofreciendo a los artistas espacios para la experimentación y para la presentación de sus propuestas.

PROYECTOS SELECCIONADOS

IMPERMANENCIA
Elisa Arteta
Elisa Arteta investiga sobre los estados mentales y corporales buscando una situación que no permite bailar, pero que paradójicamente se convierte en una nueva forma de movimiento. Con un lenguaje visual, sonoro y corpóreo muy concretos, su obra despliega diversas capas de lectura, desde lo más puramente sensorial hasta lo más político, social e intelectual.

Elisa Fernández Arteta (Elisa Arteta-Pamplona, 1980) es bailarina y creadora independiente. Licenciada en Administración y Dirección de Empresas y Grado Medio de Danza Clásica, Título propio de Danza Contemporánea en la U.Miguel Hernández.

Ha participado en exposiciones, como en la colectiva Mulier, mulieris, Universidad Alicante (2013) y en numerosos festivales de arte y danza: 2012 Festival videodanza Dança em foco; Festival videodanza WAM, Milán; Festival vídeo ClipAward, Manheim; Festival Art As Research, Off-program, Ottersberg.

SONIDEAR UN ESPACIO
Angela Peris
Sonidear quiere decir describir todo lo que los sentidos perciben mediante sonidos, melodías y ruidos, y englobarlo en una entidad rítmica coherente. El punto de partida de este trabajo detallado sobre un imaginario sonoro parte de la idea de inventar una realidad. Esa realidad existe, nos envuelve. Angela Peris pretende contar, anotar, cantar y vibrar esta realidad con su cuerpo y con su voz.

Angela Peris (Castellón de la Plana, 1983) ha realizado un Master en Comunicación Audiovisual. Es Coreógrafa, performer y creadora.

MONTANDO CABOS
Carmen Fumero
Carmen Fumero trata de crear una coreografía para un solo de larga duración. En este caso, la coreógrafa e intérprete serán la misma persona. Se trata de un trabajo personal teniendo como punto de partida el contenido o historia a narrar, y la herramienta de trabajo más potente de un bailarín: el cuerpo.

Carmen Fumero (Tenerife, 1988) es licenciada en coreografía e interpretación, línea danza clásica, por el Conservatorio Superior de danza de María de Ávila de Madrid. Promoción 2010-2011. Es bailarina y docente del Proyecto Tradanza, Madrid (2012-2013).

QUEER CONFLICTIVE UNISONS
Cecilia Lisa Eliceche
La artista propone una investigación en torno al concepto de unísono, y cómo éste es capaz de crear relaciones y estructuras complejas.

Cecilia Lisa Eliceche (Bahía Blanca, Argentina, 1986) ha realizado estudios en P.A.R.T.S. (Performing Arts reserach and Training Studios), Bruselas Movement Research, Nueva York; en el  Real Conservatorio Profesional de Danza, Madrid y en el Conservatorio de Danza, Bahía Blanca. Como bailarina colabora con Heather Karvas, Eleanor Bauer, Pablo Esbert Lilienfeld, Ettienne Guilloteau y Claire Croize.

EL RAPTO DE EUROPA
Jesús Rubio Gamo
Jesús Rubio Gamo pretende crear un espacio de encuentro en la ciudad de Madrid con el objetivo de construir una memoria colectiva de carácter subjetivo y emocional. Se trataría de la construcción de un “monumento memorial emocional escénico” que pueda compartirse con otros a través de muestras del mismo y de actividades complementarias en torno al proceso como mesas redondas o debates.

Este proyecto ha tenido una de sus fases de investigación en el CA2M. Durante ocho días, un grupo de personas se juntaron en las instalaciones del museo para reflexionar sobre conceptos como la pareja, el amor, la familia, el empleo o la traición. El día 5 de noviembre de 2013, los participantes pudieron compartir con el público algunas de las acciones que surgieron a partir de este encuentro.

Jesús Rubio Gamo (Madrid, 1982) ha realizado un máster en Práctica Escénica Y Cultura Visual. Universidad de Alcalá de Henares y Museo Nacional Reina Sofía. 2011-2012. Es dramaturgo. Co-autor de los textos presentados por la Sala Cuarta Pared, Madrid, en la Noche en Blanco 2010; coreógrafo invitado, representante español en el Festival Internacional Das 6 Tagen Rennen. Creación de una pieza con residencia en Pact-Zollverein, Essen. Actuaciones en Madrid, Lucerna y Essen. Coproducción Alemania-España-Suiza, 2010.

ESPID'ARC
Juan Perno y Elpida Orfanidou
Elpid’arc es una propuesta para crear un film junto con los espectadores a través de la recreación de la película original La Pasión de Juana de Arco, dirigida en 1928 por Carl Theodor Dreyer.

La situación es un film performance, donde los espectadores se convierten en participantes directos de una curiosa conversación, con una inesperada libertad de palabra de temas como lo místico o las relaciones personales.

Elpida Orfanidou (Grecia, 1981) ha realizado un máster en Performance Practices and Research ( dirección Ana Sanchez-Colberg ) Central School of Speech and Drama (Londres).  Ha realizado distintos proyectos como “One is almost never” (Agora Berlin, Norwich Festival 2012; “Unites states” en colaboración con Hermann Heisig ( Tanz im August Berlin, Teatar & TD Zagreb, Schaubühne Leipzig, fabrik Potsdam, HAU 3 Berlin).

Juan Perno (Madrid, 1980) ha realizado un máster en Performance, Prácticas e Investigación, Central School of Speech and Drama (Londres) y un Doctorado en Fotografía y comunicación audiovisual (Facultad de Bellas Artes. Universidad Politécnica de Valencia). Entre algunos de sus proyectos están TheLastMyself, instalación sonora y web, en la Galerie Close, Berlín; la exposición Airport series Agora space collective, Berlín, y Shibahama,performer + dirección de video en tiempo real FaiFai teatro tokyo , Hau 3, Berlín.

SOGAS Y PIEDRAS
Martín Llavaneras
Martín Llavaneras quiere llevar a cabo un proceso de trabajo que permita definir una serie de ejercicios performativos. En estos ejercicios prentende relacionar algunas de las estructuras formales y conceptuales propias del arte conceptual y los deportes rurales como el equilibrio, la resistencia, y el uso de objetos para mediar con el cuerpo, entre otros. Diferentes colaboradores y voluntarios estararán involucrados en los procesos.

Martín Llavaneras (Lleida, 1983) es artista multidisciplinar y productor cultural. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del Pais Vasco y la HTW de Berlín; Máster en Producciones Artísticas y Contextos Intermedia por la Universidad de Barcelona.

SUPERFICIALES
Navidad Santiago
Navidad Santiago propone el diálogo directo de dos cuerpos danzantes de distintas características, con palabras que se escriben en el momento presente; proyectadas por medio de un sistema de sombras y trasparencias, en el que se descarta, como pauta voluntaria, el uso de tecnología digital. La palabra y el cuerpo conversarían a tres bandas con un lenguaje sonoro/musical que se desarrolla igualmente en tiempo presente.

Navidad Santiago (Madrid, 1975) es licenciada en Sociología en la UCM. Madrid; Postgrado en Historia Política en Palachejo Universita. Olomouc. Rep. Checa y Danza Clásica: África Guzmán, SCAENA, Madrid Dance Center.

GOING NOWHERE TOGETHER
Pablo Esbert
Going nowhere together es un ritual contemporáneo basado en el movimiento y el sonido. Partiendo de la idea de que ninguna actividad es un ritual pero cualquier acción puede ser ritualizada la propuesta adopta la forma de un concierto/performance en el que los roles de músico y bailarín-performer se actualizan en el de falso chamán.

Pablo Esbert (Madrid, 1981) es licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid y se tituló en Danza Contemporánea en el Real Conservatorio Profesional de Danza. Estudió música en la Escuela de Música Creativa de Madrid y fue alumno invitado de D.A.N.C.E. (Dance Apprentice Network aCross Europe) en Bruselas.

Plazo de recepción de proyectos cerrado

Más información en casaencendida@cajamadrid.es o en actividades.ca2m@madrid.org

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2013
Entradilla

Artistas en Residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M, cuyo fin es apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo ofreciendo a los artistas espacios para la experimentación y para la presentación de sus propuestas.

ARTISTAS EN RESIDENCIA
ARTISTAS EN RESIDENCIA 2013
Tipo Pensamiento / Comunidad
Temas Pensamiento
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DIRIGIDO POR CARLOS MARTÍN

Participantes: Carolina Puigdevall, Jesús Burrola, Paulino Martín Blanco, Ángela Lupiáñez Morillas, Emma Sánchez-Quiñones Ballestero, Lucas Rodríguez Marcos, Clara Derrac Soria, Servet Domínguez Herrera, Leva Naujalyte, Blanca Sotos, Carolina Rodovalho, Laura Vila Lorenzo, Mireia Monjo Eroles, Xandra Villar Amigo, Mónica Fernández Ferreras y Natalia Giménez Cid.

Resulta paradójico que los volúmenes que recogen selecciones de una colección de arte, los libros de colección, se conviertan en una suerte de libros coleccionables, objetos que dormitan en estantes y despachos o adornan mesas de reuniones bajo el tranquilizador (y pesado) formato del coffee table book. ¿Tiene sentido insistir en un modelo de libro que funciona como barniz intelectual de la cultura del lujo? ¿Mantener su carácter de fetiche, su aura intocable, impagable, reservada, ilegible?

El DIDDCC se vuelve a abrir como un espacio para el estudio donde se investiga con las colecciones CA2M y ARCO y se desarrollan estrategias críticas para su trabajo y difusión pública. Este año, el DIDDCC, dirigido por Carlos Martín, se ocupa del cuestionamiento de los dispositivos de publicación de colecciones de arte contemporáneo, públicas o privadas, de los cánones y dogmas impuestos en ese campo y plantea un espacio para la investigación del que emergen propuestas abiertas, problemáticas y líneas de trabajo que se pueden aplicar a la nueva publicación de la Colección CA2M y ARCO, prevista para 2018.

¿Cómo negociar con un formato que, al recoger una colección en proceso de crecimiento es necesariamente finito? ¿Qué matices aporta la distinción entre colección pública y colección publicada? ¿Cómo escribir sobre una determinada propuesta artística sin con ello neutralizar sus potenciales? ¿Se puede concebir un libro radicalmente abierto? Una colección debe publicar sus contenidos y claves de lectura pero, ¿también el complejo y con frecuencia polémico relato de su origen y formación? Estas son algunas de las líneas que pueden abrirse en el DDIDDC, donde en esa negociación entre colección y publicación se activarán diversos vectores: la investigación y comisariado de los fondos, la escritura (estilos, códigos, enfoques teóricos, públicos, cuestiones de autoría), la edición, el registro y catalogación de obras de arte, el diseño gráfico o las estrategias de difusión de contenidos.

Los participantes tendrán acceso al estudio de las colecciones, encuentros con personal del CA2M, con artistas y agentes diversos del sistema del arte actual para emprender investigaciones sectoriales y plantear casos de estudio. Están invitados a participar en el DIDDCC estudiantes de posgrado, máster o doctorado en las áreas de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades y Comunicación.

Invitados confirmados:

David Armengol (Comisario independiente).
Àlex Gifreu (Diseñador gráfico. Premio Best of European Design and Advertising 2016).
Lola Hinojosa (Responsable de la Colección de Artes Performativas e Intermedia. Museo Reina Sofía).
Carolina Martínez y Clemente Bernad (Editorial Alkibla).
Rosario Peiró (Directora de Colecciones. Museo Reina Sofía).
Sergio Rubira (Creador del DIDDCC y Subdirector Colección y Exposiciones del IVAM).
Isabel Salgado y Óscar Pina (Colección ‘La Caixa’).
Manuel Segade (Director del CA2M).

Inscripción desde el 15 de enero hasta el 12 de febrero. El listado con los seleccionados se publicará el 16 de febrero

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VIERNES 2 MARZO — 15 JUNIO 2018. 16:30 — 20:30H
Entradilla

Este año, el DIDDCC, dirigido por Carlos Martín, se ocupa del cuestionamiento de los dispositivos de publicación de colecciones de arte contemporáneo, públicas o privadas, de los cánones y dogmas impuestos en ese campo.

Subtítulo
LAS RELIGIONES DEL LIBRO (O CÓMO NO HACER OTRO CATÁLOGO PARA SERVIR CAFÉ) HACIA UNA PUBLICACIÓN DE LA COLECCIÓN CA2M Y ARCO
Categoría cabecera
DIDDCC
DIDDCC 2018
Tipo Pensamiento / Comunidad
Temas Pensamiento
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¿Es un ciclo?
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El Departamento de Investigación, Datos, Documentación, Cuestionamiento y Causalidad (DIDDCC) presentará los resultados de la investigación sobre algunas de las piezas de la colecciones del CA2M y la Fundación ARCO que han realizado durante los últimos meses.

Han participado en DIDDCC: Jacobo Castellano, Oriol Vilanova, Olga Fernández, Yaiza Hernández, Equipo Palomar, Andrés Jaque, Juan Luis Moraza, Rocío Robles y Isabel Tejeda

El DIDDCC es un espacio para el estudio, dirigido por Sergio Rubira, que trabajará sobre dos líneas de investigación: la primera se centrará en los dispositivos de exposición, sus lógicas de clasificación y sus significados, y la segunda, se concentrará en las colecciones que guarda el propio Centro de Arte Dos de Mayo, la suya y la de la Fundación ARCO, revisando el relato de su creación y construyendo un contexto para las obras que las forman.

Desde el DIDDCC se generarán actividades que se integrarán en la propia programación del centro.

El D.I.D.D.C.C. está formado por Miriam Adrián, Carles Ángel Saurí, Marina Avia Estrada, Alejandro Castañeda, Cristina de la Casa, Marga Fernández, Ana Folguera, Paula García-Masedo, Álvaro Giménez Ibáñez, María Menchaca Paz, Paula Noya de Blas, Cristina Nualart, Anita Orzes, Marta Sesé, Jean Paul Tremont, Emma Trinidad, y Marta Van Tartwijk.

Nuestro agradecimiento a La casa encendida por la cesión de un espacio durante el mes de noviembre con motivo de Acupuntura. La arquitectura del CA2M en transición.

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28 DE ABRIL DE 2017 / 19.00H
Entradilla

El Departamento de Investigación, Datos, Documentación, Cuestionamiento y Causalidad (DIDDCC) presentará los resultados de la investigación sobre algunas de las piezas de la colecciones del CA2M y la Fundación ARCO que han realizado durante los últimos meses.

Subtítulo
PRESENTACIÓN DE RESULTADOS
DIDDCCN 2017
DIDDCC 2017
Tipo Pensamiento / Comunidad
Temas Pensamiento
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18 FEBRERO. SÁBADO. 16:00 - 19:30 H

Señalar un contexto antes que un recorte es una acción de configuración, un ejercicio de aparición. Dentro de esta dinámica se validan proposiciones donde las acciones, los gestos y los enunciados son leídos y reconocidos desde la legibilidad que facilita aquello que la doxa argumentativa señala como «contexto». Sin embargo, la condición material de estos mismos elementos permite hallar otros modos de hablar de un contexto. Una novela que comienza, al igual que el único libro de Macedonio Fernández publicado en vida de su autor, es una enunciación de comienzo y determina el movimiento de lectura y recepción de un relato. Esta narración plural y subjetiva visibiliza distintas formas de participar de un contexto. Diego Vecchio, Alejo Ponce de León, Karina Peisajovich, María Moreno y Pablo Schanton se proponen reflexionar sobre algunos de los «materiales vivos» con los que el arte argentino desarrolla obras y posiciones. Desglosar en primera persona tal conjunto de materiales no tiene otra intención que compartir claves de participación. Campos de relación en los que el arte pivota alrededor del barrio, la literatura, la música, la construcción de autor y esa plusvalía productiva que emerge a través de la afectividad.

Comisario: Mariano Mayer.

Entrada libre. Más información en actividades.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

PROGRAMA

16:00h. Presentación con Mariano Mayer
Mariano Mayer es poeta y comisario independiente. Entre sus últimas exposiciones figuran Soy un libro que no he escrito ni he leído Capítulo II (The Goma, Madrid, 2015) y Omnidireccional (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2015). Entre sus últimos proyectos como curador figuran En el ejercicio de las cosas  junto a Sonia Becce (Plataforma Argentina ARCOmadrid 2017) y Causal: Ignacio Fanti (The White Lodge, Córdoba, Argentina, 2016).

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16:15h. Algo que termina: el museo del fin del mundo
La literatura que practica Diego Vecchio no tiene ningún papel, esta no función en particular permite incorporar una multiplicidad de géneros. Cada uno de sus libros genera un contexto para albergar el interés por construir una literatura elaborada a partir de ciertos saberes. Una ficción entendida como el resultado de extrapolar arte, museología, animismo o medicina.      

Diego Vecchio es autor de tres ficciones: Historia calamitatumMicrobiosOsos y de un ensayo: EgocidiosMacedonio Fernández y la liquidación del yo. Actualmente reside en París donde es docente de literatura latinoamericana y director del Máster de Creación Literaria en l’Université Paris 8 Saint-Denis.

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16:50 h. Un barrio que es infinito
Alejo Ponce de León tematiza sobre el barrio y lo importa al arte, para plantear cómo este lenguaje es el resultado de la relación que se establece entre las formas de vida que acoge, las posibilidades de interacción que es capaz de trasmitir y el tipo de afectividades que promueve.

Alejo Ponce de León  es crítico de arte, periodista y curador independiente. Publicó en Página/12, Arte al Día y Los Inrockuptibles, entre otros medios. Como curador, ideó la exhibición Octubre de 2015 en la Galería Ruth Benzacar, La industria gráfica produce cultura de Javier Barilaro en la galería Otero y Adaptative Backlash: el costo exponencial de la integración junto a Gaby Cepeda y Javier Villa en el espacio cultural La Fábrica. Actualmente está preparando un proyecto editorial enfocado en teoría crítica y arte argentino con la curadora Lucrecia Palacios.

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17:25h. El viento
La artista Karina Peisajovich ensaya una voz y completa una visión subjetiva e inclusiva del estado de las cosas en el arte contemporáneo argentino. Con la intención de leer esa porción del arte, tanto desde la problemática de quien la produce como de quien la vive y la observa.

Formada en la pintura, la práctica artística de Karina ha sido fuertemente influenciada no sólo por la historia del arte, sino por su experiencia temprana en el teatro alternativo, en el que trabajó como diseñadora de escena y vestuario a finales de los ochenta y principios de los noventa. Su obra está profundamente influida por la historia de los experimentos modernistas con la abstracción y la percepción, al mismo tiempo que se apropia del teatro, los soportes técnicos, un compromiso directo con el espacio físico de exhibición y un posicionamiento activo del espectador-participante en la obra. Sus proyectos más recientes han pasado de complejas instalaciones relacionadas con formas abstractas pintadas desde las paredes al piso de la galería con luces proyectadas en formas geométricas, a un conjunto de elementos más reducidos: pequeñas máquinas de iluminación que proyectan luces de colores, colocadas en espacios completamente oscurecidos.

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18:00h Pausa café

18:15h Yo, Dolly Skeffington: arte y falsificación
Para María Moreno la escritura es antes un material de intervención que un medio expresivo. Por ello es capaz de plantear una autobiografía novelada en clave microensayo o una ficción sobre la identidad y contrabandear procedimientos tanto del collage como del montaje modernista.

María Moreno nace y vive en Buenos Aires. Se inicia como periodista en el diario La opinión. Durante la dictadura, María Moreno hacía periodismo en Siete Días y en Status. Suele contar que, en gran medida por una cuestión de censura, hacían una especie de laboratorio de escritura. Sus estrategias discursivas son admiradas hasta el día de hoy. Periodista, narradora y crítica cultural, es considerada una de las más grandes cronistas y ensayistas de habla hispana. Escribió la novela El affair Skeffington, y los libros de no ficción El petiso orejudo A tontas y a LocasEl fin del sexo y otras mentirasVida de vivosBanco a la sombraTeoría de la noche y Subrayados.

18:50h La música es mi casa
Para el crítico de rock Pablo Schanton, la música es un imán que permite encontrar al rodar por el jardín del mundo todo tipo de estructuras vinculantes. Cada una de sus intervenciones expande la  respuesta de la siguiente pregunta: ¿Cómo hablar de la música a través de otro medio?

Pablo Schanton es periodista, crítico e investigador de música popular, especializado en rock y música electrónica. A principios de los 90, dirigió la revista de crítica de rock Ruido. Entre 1990 y 2009, organizó anualmente los ciclos Estetoscopio y Post Post. Realizó la antología Después del rock y editó Retromanía de Simon Reynolds ambos en la editorial Caja Negra, además de prologar El basurero de la historia de Greil Marcus. Es letrista y pertenece al colectivo de músicos y DJs Agencia de Viajes. Actualmente es subeditor jefe de revista Viva. Además, colabora en revistas como Otra Parte, Rolling Stone y Ñ.

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18 de febrero de 2017
Entradilla

Una novela que comienza, al igual que el único libro de Macedonio Fernández publicado en vida de su autor, es una enunciación de comienzo y determina el movimiento de lectura y recepción de un relato. Esta narración plural y subjetiva visibiliza distintas formas de participar de un contexto. Diego Vecchio, Alejo Ponce de León, Karina Peisajovich, María Moreno y Pablo Schanton se proponen reflexionar sobre algunos de los «materiales vivos» con los que el arte argentino desarrolla obras y posiciones.

Subtítulo
PROGRAMA DISCURSIVO EN TORNO AL ARTE ARGENTINO
Categoría cabecera
Una novela que comienza
UNA NOVELA QUE COMIENZA
Tipo Pensamiento / Comunidad
Temas Pensamiento
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¿Es un ciclo?
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Tras varios intentos fallidos, por fin podemos anunciar la presentación de No sabíamos lo que hacíamos. Lecturas para una educación situada una publicación que relata algunas de las prácticas que se han desarrollado por y para el departamento de educación del CA2M. Una publicación que recoge no solo textos, sino también una buena suma de diálogos del equipo en los que se pone en juego una manera de trabajar que entiende el diálogo, la búsqueda constante, la experimentación y la investigación como los pilares constantes del trabajo educativo. Junto a diversos ensayos escritos por los integrantes del departamento se incluyen textos de diversos agentes que han colaborado en la construcción de los diversos proyectos realizados desde el departamento así como la consolidación de un trabajo que no podría ser de otra forma que colectivo. Una publicación en la que se reflexiona sobre las pedagogías queer, el papel de la educación en la institución arte, las prácticas performativas en educación, el papel del cuerpo o el museo como espacio de control.

Con la participación de Pili Álvarez, Mercedes Álvarez Espáriz, Ferran Barenblit, Selina Blasco y Lila Insúa, Nilo Gallego, Eva Garrido, Victoria Gil-Delgado, Jaime González Cela, Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto, Carlos Granados, Rafael Lamata, Pablo Martínez, Yera Moreno, María José Ollero, Emilio Santiago Muíño, Subtramas (Diego del Pozo y Montse Romaní), Manuel Segade, Cristina Vega, Marisa Víctor y Virginia Villaplana.

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9 DE MARZO DE 2017 / 19.00H
Entradilla

Tras varios intentos fallidos, por fin podemos anunciar la presentación de No sabíamos lo que hacíamos. Lecturas para una educación situada una publicación que relata algunas de las prácticas que se han desarrollado por y para el departamento de educación del CA2M.

Categoría cabecera
PRESENTACIÓN DEL LIBRO NO SABÍAMOS LO QUE HACÍAMOS
Tipo Pensamiento / Comunidad
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¿Es un ciclo?
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La revista digital Re-Visiones es una publicación indexada, bilingüe en castellano e ingles, de periodicidad anual en la que se agrupan ensayos inéditos en torno a trabajos recientes relacionados con la teoría visual, la historia del arte y la investigación artística. El CA2M como ente observador promotor del proyecto I+D VISUALIDADES CRITICAS: REESCRITURA DE LAS NARRATIVAS A TRAVES DE LAS IMÁGENES  (HAR2013-43016-P, Ministerio de Economía y Competitividad) inicia una colaboración con Re-Visiones con el fin de ayudar a difundir y dar soporte a las investigaciones desarrolladas en este ámbito. No en vano, una de las misiones del CA2M es promover y apoyar la investigación en relación a la imagen. La propia colección del Centro así como la celebración desde 2009 de las Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid son solo dos ejemplos, quizás los más destacables de su trabajo en relación a la imagen.

Acceso a la revista digital

Convocatoria 2017: ¿Es posible descolonizar las metodologías occidentales? El Sur como motor
(plazo de recepción de originales cerrado).

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2017
Entradilla

El CA2M como ente observador promotor del proyecto I+D VISUALIDADES CRITICAS: REESCRITURA DE LAS NARRATIVAS A TRAVES DE LAS IMÁGENES  (HAR2013-43016-P, Ministerio de Economía y Competitividad) inicia una colaboración con Re-Visiones con el fin de ayudar a difundir y dar soporte a las investigaciones desarrolladas en este ámbito.

Subtítulo
POLÍTICA DE LAS IMÁGENES, FICCIONES DE LO COMÚN
Categoría cabecera
RE-VISIONES 2017
RE-VISIONES 2017
Tipo Pensamiento / Comunidad
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¿Es un ciclo?
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