actividades.ca2m@madrid.org

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Autoplacer, el festival que desde hace 13 años celebra la música y la autoedición en el Museo CA2M, regresa con su edición de 2022 el sábado 24 de septiembre. Como cada año, el colectivo Autoplacer/Sindicalistas trae a Móstoles una selección de grupos de la escena sumergida española en un evento que reivindica la inclusión de las músicas actuales en las instituciones desde hace más de una década, dando visibilidad a los nuevos sonidos y sus procesos de edición, producción y difusión -verdaderamente- independientes.

En esta edición, contaremos con la veteranía punk de Sudor, las melodías "nouvelle" garage de Eterna Joventut, la energía galega de Grande Amore, el afiladísimo dream pop de Sofía, el pop costumbrista de La Media Distancia y la colisión entre el techno y el post-punk de los valencianos Alfa Estilo. Junto a ellos, el debut en Autoplacer del grupo ganador del Concurso de Maquetas Autoplacer 2021, EQX con su propuesta de avant-pop disruptivo.

El Festival Autoplacer 2022 contará también con un espacio dedicado a sesiones de música electrónica y diversos proyectos invitados en el campo de la autoedición musical y editorial.

¡Reserva la fecha: 24 de septiembre, en el Museo CA2M!

Con los conciertos de:

SUDOR / ETERNA JOVENTUT / SOFÍA / GRANDE AMORE / ALFA ESTILO / LA MEDIA DISTANCIA / EQX (Ganadores del Concurso de Maquetas Autoplacer 2021)

+ SESIONES DE ELECTRÓNICA Y MÁS PROYECTOS INVITADOS POR CONFIRMAR.

Tipo de actividad
Fechas
24 DE SEPTIEMBRE
Temas
Entradilla

Autoplacer, el festival que desde hace 13 años celebra la música y la autoedición en el Museo CA2M, regresa con su edición de 2022 el sábado 24 de septiembre. Como cada año, el colectivo Autoplacer/Sindicalistas trae a Móstoles una selección de grupos de la escena sumergida española en un evento que reivindica la inclusión de las músicas actuales en las instituciones desde hace más de una década, dando visibilidad a los nuevos sonidos y sus procesos de edición, producción y difusión -verdaderamente- independientes.

 

Categoría cabecera
Autoplacer 2022
FESTIVAL AUTOPLACER 2022
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Pie media

Diseño: Raisa Álava.

¿Es un ciclo?
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Con el apoyo de
Duración
DE 12:00 A 21:00H

Un encuentro en el que los diferentes agentes y educadores asistentes a las lindes podrán reflexionar y debatir sobre sus prácticas educativas, proyectos, inquietudes, problemas e ilusiones. Se dispondrán mesas de trabajo en las que se analizarán aspectos fundamentales de las prácticas para posteriormente hacer una puesta en común de todos los asistentes. Este encuentro supone un paso adelante en la construcción de una comunidad educativa y un momento para aportar más puntos de vista al trabajo desarrollado.

Tipo de actividad
Entradilla

Un encuentro en el que los diferentes agentes y educadores asistentes a las lindes podrán reflexionar y debatir sobre sus prácticas educativas, proyectos, inquietudes, problemas e ilusiones. 

Categoría cabecera
Las Lindes 2009
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¿Es un ciclo?
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Arte. Educación. Pedagogía. Aprendizaje. Desaprendizaje. Ejercicio crítico. Imaginación política. Conocimientos mojados. Ficciones visionarias. Contra-pedagogías. Si hay un hecho el cuál no podemos negar, tampoco escapar, es que somos contemporáneos de nuestros procesos pedagógicos. Y la pedagogía, comprendida como modelo, a su vez, es un proyecto de privatización del pensamiento. Todavía hay palabras que son campos de combate, y estas más que vinculadas a la razón hablan desde los cuerpos. Inapropriadas, inoportunas, indebidas, inconvenientes, desplazadas y coléricas, habitan el incómodo y el mal-estar y son como flujos que escapan por toda parte.
 

En este taller Mônica Hoff nos invita a habitar, a través de juegos, acciones y lecturas experimentales, la incomodidad que tenemos con nuestros procesos pedagógicos y quizás desde este lugar aumentar nuestra potencia de acción política y poética individual y colectiva.
 

Las Lindes continúa reuniéndose periódicamente para investigar y experimentar en torno a la educación y el arte. Durante este próximo curso, aparte de los encuentros abiertos que iremos proponiendo, nos centraremos en la realización de un audiovisual que recoge parte de la práctica de estos últimos años y que pretende pensar juntas desde el hacer. Un audiovisual en forma de ensayo en donde la escucha, la experiencia del cuerpo, la apuesta por activar y compartir saberes de lo común y la observación son claves en el proceso creativo colectivo.

Tanto Lindes como esta pieza audiovisual nacen de una inquietud compartida por distintos agentes de la educación frente a la dificultad de generar un relato diferente al dominante sobre las prácticas educativas críticas, al tiempo que intuyen la necesidad de construir una comunidad educativa que reflexione sobre la esencia de la educación.

Las sesiones abiertas serán previamente anunciadas a la lista de distribución de correo de Las Lindes

Grupo de investigación y acción acerca de educación, arte y prácticas culturales. Formado por Marta de Gonzalo, Pablo Martínez, Virginia Villaplana, Diego del Pozo, Yera Moreno, Eva Garrido, Pili Álvarez, Maria José Ollero.

Tipo de actividad
Fechas
SÁBADO 9 FEBRERO
Temas
Entradilla

Arte. Educación. Pedagogía. Aprendizaje. Desaprendizaje. Ejercicio crítico. Imaginación política. Conocimientos mojados. Ficciones visionarias. Contra-pedagogías.

Subtítulo
HAY PALABRAS QUE SON CAMPOS DE COMBATE, O: EJERCICIOS PARA PRIVATIZAR EL PENSAMIENTO
Categoría cabecera
Lindes
LAS LINDES: TALLER CON MÔNICA HOFF
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¿Es un ciclo?
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La noción que comúnmente se construye sobre el arte actual y sus creadores en muchas ocasiones aparece vinculada al discurso que se emite desde los medios de comunicación y en consecuencia se entiende como heredera de un ideal romántico y de un paradigma moderno que piensa el arte como forma autónoma. Pero la producción artística que se crea bajo los paradigmas estéticos y de pensamiento desde la posmodernidad renuncia a la autonomía del objeto artístico y comienza a mirar hacia fuera de lo que tradicionalmente se ha entendido como campo del arte: se relaciona con su entorno y negocia con otros agentes del presente para construir discurso.

En Mirar el presente. Siete clases para pensar con el arte actual contamos con la presencia de teóricos y artistas para analizar con ellos y con algunas de sus propuestas asuntos que afectan arterialmente a nuestro modo de situarnos en el contexto tardocapitalista en que vivimos: el pasado que compartimos, nuestro papel como espectadores-ciudadanos, el modo en que nos relacionamos con la autoridad o la influencia de las instituciones en las formas de vida serán sólo algunos de los puntos de partida de los debates. Pensar de este modo con objetos e imágenes del arte quizás sea la única forma de descubrir tanto su capacidad dialéctica como su capacidad de agencia. Y así ver, al final, la manera en que el arte habita entre nosotros como una forma de mirar críticamente el presente.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto no especializado. En estos cursos se abordan de forma clara y directa algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Estas actividades suelen estar estructuradas en dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las siete clases que componen el curso se complementarán con una visita a la exposición Antes que todo.

MIE 20 OCT
Presentación del curso e Introducción
Pablo Martínez. Responsable de Educación y Actividades Públicas
Ferran Barenblit. Director del CA2M

MIE 27 OCT
Yayo Aznar. Doctora en Historia del Arte, en la actualidad es Profesora Titular de Universidad en el Departamento de Historia del Arte de la UNED de Madrid.
Entre sus publicaciones destacan libros como El cauce de la memoria. Arte en el siglo XIX (Madrid, Istmo, 1998), Arte de acción (Madrid, Nerea, 2000), La memoria pública (Madrid, Universidad Nacional de Educación a Distancia, 2002), El Guernica (Madrid, Edilupa, 2004) o La memoria compartida. España y Argentina en la formación de un imaginario cultural (Buenos Aires, Paidós, 2005). Es además codirectora, junto a Javier Hernando Carrasco, de la colección Arte Hoy, publicada por la editorial Nerea.

MIE 3 NOV
Dora García (Valladolid, 1965) es una artista cuya obra se centra en desarticular las convenciones y los códigos de conducta especialmente entre la obra el artista y el espectador a través de la performance o de un tratamiento inesperado del espacio expositivo.

MIE 10 NOV
Pablo Marte (Cádiz, 1975) trabaja el video jugando con su ficcionalidad y enfrentándola a lo real. En su obra existe además una preocupación política en la relación del cuerpo y el espacio.

MIE 17 NOV
Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937), artista conceptual español que desde mediados de los años sesenta cuestiona mediante su trabajo el estatus de la obra de arte y su valor estetizante, así como los marcos institucionales donde esta tiene lugar. Su práctica abarca desde la poesía experimental, la música y el mail art hasta el cine, la performance o las intervenciones sonoras.

MIE 24 NOV
Fernando García (Madrid, 1975) trabaja intencionadamente con la mezcla de formatos para tratar diversas preocupaciones que tienen que ver con su experiencia personal y su condición de artista. Así, sus piezas hacen referencia de forma irónica a las contradicciones de la posición del creador contemporáneo y las estructuras del mundo del arte.

MIE 1 DIC
David Bestué y Marc Vives (Barcelona, 1980 y 1978 respectivamente), colaboran como artistas desde el año 2002. Su obra se compone de incisiones en lo cotidiano a través de elementos de ficción usando numerosos referentes tanto de la historia del arte como de la cultura filosófica o popular.

Programa Educativo 2010 - 2011

Tipo de actividad
Fechas
20 OCT — 1 DIC 2010
Temas
Entradilla

La noción que comúnmente se construye sobre el arte actual y sus creadores en muchas ocasiones aparece vinculada al discurso que se emite desde los medios de comunicación y en consecuencia se entiende como heredera de un ideal romántico y de un paradigma moderno que piensa el arte como forma autónoma. 

Subtítulo
SIETE SESIONES PARA PENSAR CON EL ARTE ACTUAL
Categoría cabecera
Mirar el presente
MIRAR EL PRESENTE
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¿Es un ciclo?
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Este año se propuso iniciar una revisión de la mirada. A partir de diferentes charlas con teóricos, educadores y artistas, el curso pretendió reflexionar tanto sobre las propuestas del arte actual como sobre nuestra mirada hacia ellas. Frente a la pura contemplación extasiada, admirada y desinteresada que nos exigía aparentemente el arte moderno, el arte actual parece enfrentarse a la mirada distraída de la que hablaba Walter Benjamin: la mirada dispersa del burgués por la ciudad, el paseante que ve todo y no ve nada, quizás incluso el paradigma de la mirada contemporánea como si por consenso hubiéramos perdido todos la capacidad de mirar al mismo tiempo. Se trata, entonces, de pensar en las posibilidades que el arte actual puede ofrecer para la reinvención de una mirada que, desde su dispersión, sigue afectada e interesada políticamente.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordaron algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar con él. Estas actividades constaron de dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra.

PROGRAMA

MIÉRCOLES 20 FEB. 18:30 H.
MIRADAS INOFENSIVAS
Yayo Aznar. Profesora Titular de Universidad en la UNED

Para comenzar el curso se llevó a cabo una breve reflexión sobre las diferentes miradas que se le han ofrecido al espectador contemporáneo. Desde la tan traída y tan llevada «contemplación desinteresada» kantiana hasta la «mirada distraída» del ciudadano, lo cierto es que siempre ha estado sobre la mesa de discusión una cierta despolitización de nuestra percepción.

Tipo de actividad
Fechas
20 FEB — 24 ABR 2013
Temas
Entradilla

Este año se propuso iniciar una revisión de la mirada. A partir de diferentes charlas con teóricos, educadores y artistas, el curso pretendió reflexionar tanto sobre las propuestas del arte actual como sobre nuestra mirada hacia ellas.

Subtítulo
V CURSO DE INTRODUCCIÓN EN EL ARTE ACTUAL
Categoría cabecera
esto es arte
PERO...¿ESTO ES ARTE? 2013
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¿Es un ciclo?
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Los elementos intelectuales, valorativos y afectivos de los objetos –ya sean obras de arte, artefactos médicos, fetiches o souvenires- se manifiestan en relación al marco de acción para el que fueron creados. No obstante, la pregunta clave que ocupará a los conferenciantes en este curso gira en torno a los pactos sociales y las negociaciones afectivas que surgen cuando los objetos viajan a otros sitios y transitan libremente entre los regímenes de invisibilidad y la materialización o entre diferentes prácticas culturales, lugares geográficos o disciplinas de pensamiento. ¿Dependen los objetos de necesidades locales o son versátiles y capaces de adaptarse? ¿Existe alguna continuidad entre el objeto original y el objeto a su llegada al nuevo contexto? O ¿se producen rupturas y fricciones? ¿Es el vínculo entre objeto y respuesta emocional una relación estática e inamovible?

La vida afectiva de los objetos pretende dar continuidad a la línea de trabajo que el CA2M viene explorando sobre el rol sociopolítico de los objetos y las imágenes. Esta nueva edición reúne a especialistas de diversas disciplinas para dialogar sobre la circulación de los objetos materiales y su vida afectiva. Los invitados provienen de la historia del arte, la sociología, la historia de la ciencia, del comisariado, la pedagogía, la fotografía y la instalación. Desde la práctica y la teoría, desde el interior del arte y más allá de sus confines, el curso invita a explorar las dinámicas sociales y afectivas de la cultura material que ocupan un lugar central en las experiencias subjetivas.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Estas actividades están estructuradas en dos partes: una primera que consiste en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra.

Dirigido por Nike Fakiner

PROGRAMA

MIÉRCOLES 21 OCT. 18:30 H.
LA VIDA AFECTIVA DE LOS OBJETOS EN TRÁNSITO
Nike Fakiner
Gustav Zeiller (1860-1904), artesano y entrepreneur alemán, se ganaba la vida con la fabricación de objetos anatómicos en cera, así como con su venta y exhibición pública. En el marco de su pequeña colección personal, expertos en medicina y audiencia inexperta podían deleitarse con curiosidades científicas; conocer las entrañas del cuerpo humano, familiarizarse con los últimos consejos de salud o, sencillamente, entretenerse con los espectáculos del cuerpo que la vida moderna ofrecía a la burguesía emergente en ferias y parques de atracción. Los artefactos en cera de Zeiller y la vida afectiva de los mismos son los protagonistas de mi investigación. Desde la perspectiva del mundo material, esta conferencia tratará de reconstruir algunas de las creencias, preocupaciones y expectativas de sus audiencias del pasado.

El estudio de este caso servirá como punto de partida para exponer y esbozar el debate teórico que reúne a los expertos invitados a este curso: las posibilidades y limitaciones de entender el objeto como un «aparato cultural móvil» para el análisis de la cultura en general y para la historia de la experiencia en particular.

Nike Fakiner es comisaria independiente y especialista en historia cultural, cultura visual y cultura material. Doctora en Historia del Arte y de la Ciencia por la Universidad de Madrid y becaria predoctoral JAEPre (2009-2013) del Instituto de Filosofía en el Centro de Ciencias Humanas y Sociales (CCHS-CSIC, Madrid). Ha realizado diversas estancias de investigación y ha sido comisaria asistente para la exposición SKIN, supervisada por el profesor Javier Moscoso para la Wellcome Collection en 2010 (Londres). Actualmente trabaja como comisaria independiente e imparte clases en el Instituto de Empresa (IE) en Madrid desde enero de 2015.

MIÉRCOLES 28 OCT. 18:30 H.
LO INVISIBLE
Rosell Meseguer
Después de la Segunda Guerra Mundial, durante el gobierno de Roosevelt en EE.UU., el director del Departamento de Investigación y Ciencia, Vannevar Bush, lanzará el estudio: Science, the Endless Frontier. En el texto el Sr. Bush habla sobre cómo las estrategias defensivas son puestas en práctica en la vida diaria. Vannevar justifica la necesidad de la investigación en tecnología y uso militar para el bienestar social. Este concepto sigue vigente.

Lo invisible plantea una intervención en formato de conferencia y debate sobre la idea y su desarrollo material: el objeto físico. Mostrando documentos, fotografías peculiares y otros archivos vinculados a los proyectos artísticos que vengo desarrollando, se generarán diálogos a diferentes niveles. Uno de ellos recopila información vinculada a Europa versus América tras la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría. Otro, articula un diálogo entre pasado y presente donde es esencial entender las relaciones entre los conceptos y sus formas: un búnker de Río de Janeiro -periodo Guerra Fría- que parece un OVNI o la construcción de una cúpula en Berlín que recuerda a los zeppelin de entreguerras. En la construcción de estas formas los diálogos entre tecnología analógica y digital son dos fuertes constantes que alarman sobre una realidad «invisible» que se extiende globalmente: el miedo.

Los diálogos trabajarán en proceso con las ideas expuestas en diversos materiales, como si estas fueran un «pre-archivo», revalorizando las mismas desde lo universal hasta su contextualización local, desde la existencia o la irrealidad; la comprensión del tiempo y el espacio de los objetos.

Rosell Meseguer es artista visual y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, donde actualmente es docente. Su obra desarrollada en diversos medios -fotografía, instalación, archivo, publicaciones, dibujos, pintura y vídeo- está vinculada a la investigación de los procesos históricos y sus consecuencias sociopolíticas y económicas. Ha formado parte del grupo de investigación Decolonizing knowledge and aesthetics entre Goldsmiths.
University de Londres y Matadero Madrid.

MIÉRCOLES 4 NOV. 18:30 H.
RECUERDOS: LOS OBJETOS DE LA MEMORIA
Clara Zarza
Los recuerdos personales se perciben a menudo conectados a objetos hasta tal punto que se construyen a su alrededor. En las últimas décadas diversos artistas han hecho uso de objetos o colecciones de objetos y éstos han sido percibidos por la audiencia como supuestos recuerdos guardados y atesorados o encontrados, construidos o modificados y expuestos como símbolos de las vivencias del artista. En esta conferencia hablaré de este tipo de prácticas artísticas en relación a dos categorías: los souvenirs y los memorabilia. En relación a estas categorías analizaré las esculturas de Mona Hatoum (Door Mat y Doormat II) y la serie fotográfica de Miyako Ishiuchi Mother’s.

El estudio de estas obras servirá como punto de partida para un doble análisis del uso de «objetos-recuerdo» en el arte contemporáneo. Por un lado, deseo explorar los mecanismos que vinculan estas obras con la noción de intimidad con el fin de problematizar los límites entre las nociones de público y privado, por otro es mi intención revisar las premisas teóricas que a menudo conducen a interpretar este tipo de obras como autobiográficas.

Clara Zarza es especialista en el estudio de la instalación contemporánea y teoría visual. Asimismo ha desarrollado un trabajo interdisciplinar que incluye estudios literarios, antropológicos y filosóficos en torno a la intimidad, la identidad y el sujeto autobiográfico. Doctora en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Imparte clases en IE University desde enero de 2014 y es miembro del equipo editorial de Efímera Revista desde marzo de 2013.

MIÉRCOLES 11 NOV. 18:30 H.
OBJETOS DEL AMOR
Beatriz Cavia Pardo y Alexi Hofer
La vida de los objetos es, aparentemente, indisociable de las experiencias, narrativas y representaciones sociales: no hay objetos sin sujetos que los doten de significados y sentido. En los últimos tiempos, diversas teorías sociales han establecido metáforas para hablar de cómo la relación entre los objetos y los sujetos, tan clara en el periodo moderno, se transforma en lo contemporáneo. Así, teóricos como Bruno Latour o Isabelle Stengers o Eduardo Viveiros de Castro, se han tornado centrales en el ámbito del arte, dando especial relevancia a la redefinición de esta relación.

Cualquier objeto sería susceptible de convertirse en un objeto de amor, pero sólo algunos son significativos en las historias afectivas. Digamos que estos son objetos de amor banal, cotidianos, que todos tenemos a nuestro alrededor, o que han acabado en una caja, perdidos en una mudanza o desaparecidos en un ritual que anule el dolor o rabia que nos produce su presencia. Pero los objetos también son construidos como metáforas de amor. En el arte, los objetos toman forma en obras desde esta necesidad de cargarse de significado. En tercer lugar, hay una serie de objetos que despliegan una representación del amor como símbolos, si no universales, sí hegemónicos en  las distintas culturas, relacionados con la construcción moderna del amor romántico e inmersos en la economía de mercado capitalista. En los tres casos nombrados, los objetos de amor banal, los objetos de amor metáfora y los objetos de amor romántico, la acción humana es fundamental. Lo que planteamos en el taller es desplegar y hacer hablar a los objetos para analizar cómo ellos producen también esta acción, su capacidad de agencia para el amor.

Beatriz Cavia Pardo es socióloga y miembro de la oficina de arte y conocimiento Bulegoa Z/B (www.bulegoa.org) junto a Isabel de Naverán, Miren Jaio y Leire Vergara. En Bulegoa se cruzan las prácticas del comisariado, la crítica de arte, la coreografía experimental y la teoría social, cruce desde el cual se realizan distintas producciones en el ámbito de las artes visuales. En sociología ha desarrollado su trabajo de investigación en el campo de las identidades colectivas,
la sociología de la sexualidad y del género y la teoría sociológica. Ha sido investigadora del Centro de Estudios sobre la Identidad Colectiva de la Universidad del País Vasco y profesora de sociología en el departamento de Sociología 2 de la misma universidad.

Alexi Hofer es especialista en pedagogía y arte. Trabaja en la acción cultural y la educación artística y creativa desde que se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2005. Ha colaborado en el diseño y desarrollo de diversos programas de educación de arte para un público diverso en diferentes museos y centros de arte. Desde hace años dedica gran parte de su tiempo a debatir con sus amigas cuestiones amorosas. De ahí surgió en colaboración con Beatriz Cavia el seminario Performando el amor /Imaginarios del amor.

MIÉRCOLES 18 NOV. 18:30 H.
LA RUINA ROMÁNTICA
Javier Moscoso
Cuando hoy presenciamos atónitos la destrucción de las ruinas de Palmira, declarado patrimonio de la Humanidad, parece adecuado preguntarse de dónde proviene esa valorización de los restos de la historia. Esta presentación busca dar respuesta a esta pregunta a través del estudio de los aspectos emocionales de la Restauración y del Romanticismo, en donde las ruinas fueron encumbradas no solo como parte de la nueva idea de nación, sino como elemento estético y ético ligado a una terapia civilizatoria y a un nuevo modelo de educación social.

Javier Moscoso es profesor de investigación de Historia y Filosofía de la Ciencia en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas. A lo largo de su carrera, ha trabajado principalmente en tres áreas: la historia de las ciencias de la vida en el siglo XVIII, la historia de los signos y las singularidades en la Europa Moderna y la historia del dolor en Occidente entre los siglos XV y XX. Su último libro, Historia cultural del dolor, se publicó en octubre de 2011 en Taurus. En la actualidad prepara un nuevo libro, tanto en español como en inglés, sobre las pasiones de la Modernidad. Asimismo ha comisariado diversas exposiciones, como Monstruos y Seres Imaginarios (Biblioteca Nacional), Skin (Wellcome Collection), o Pain: Passion, Compassion, Sensibility (Science Museum / Wellcome Collection).

MIÉRCOLES 25 NOV. 18:30 H.
LA PRESENCIA Y LA AUSENCIA. UNA HISTORIA SOBRE OBJETOS Y FANTASMAS
Xavier Arenós
Partiendo de la premisa de que aquello que fue reprimido o quedó inconcluso retorna una y otra vez con nuevas fuerzas, esta clase indagará en pasajes acontecidos durante la Guerra Civil que no fueron clausurados o que lo hicieron en falso y que perviven entre nosotros como fantasmas. Para ello, se revisarán algunos de mis proyectos en los que intento reconstruir estos sucesos traumáticos. Sucesos que, según Derrida, nos llegan de otros tiempos a dislocar el nuestro, a perturbarlo. Explorar estos espectros, que son fruto de la injusticia, el abuso, la frustración, o el fracaso, será uno de los objetivos, pero también analizar la problemática de su representación, ¿cómo formalizar sus significantes?, ¿cómo tranformarlos en cuerpos?, ¿cómo cosificar sus ecos?

Xavier Arenós es artista, co-editor de la revista de proyectos artísticos Roulotte y profesor de grado universitario en la Escuela de Arte y Diseño Massana de Barcelona. Su trabajo analiza por un lado la vinculación entre el espacio, la ideología y el poder, y por otro, explora la idea de utopía como alternativa al relato hegemónico establecido. Para ello realiza, a partir de procesos documentales y de archivo, construcciones arquitectónicas, vídeos y fotografías que tienen como referentes a la arquitectura moderna, el constructivismo ruso o la práctica del bricolaje. Entre sus exposiciones más recientes: Indisposición general. Ensayo sobre la fatiga. Fabra y Coats, Centro de arte contemporáneo, Barcelona (2015); Estratos, Galería Rosa Santos. Valencia (2015).

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Más información en educación.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

Tipo de actividad
Fechas
MIÉRCOLES 21 OCT — 25 NOV 2015
Temas
Entradilla

Los elementos intelectuales, valorativos y afectivos de los objetos –ya sean obras de arte, artefactos médicos, fetiches o souvenires- se manifiestan en relación al marco de acción para el que fueron creados.

Subtítulo
UNIVERSIDAD POPULAR 2015
Categoría cabecera
Vida afectiva
LA VIDA AFECTIVA DE LOS OBJETOS
Más información y contacto
¿Es un ciclo?
Desactivado
Duración
18:30 — 20:00 H.

Dirigido a cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Inscripción gratuita a partir del 19 de enero

La llegada al museo, gracias a la Colección Fundación ARCO, de obras emblemáticas de arte contemporáneo brinda un punto de partida perfecto para el curso. Con ellas no solo visitaremos las principales tendencias que se contemplan en los manuales de historia del arte, sino que pensaremos en las fricciones y la dificultad a la hora de conformar una linealidad teórica y unas características cerradas. En este curso, ya el séptimo de introducción al arte actual, queremos centrarnos en esas tensiones y observar las grietas del discurso, investigar las ausencias, debatir las contradicciones y pensar con y desde el cuerpo. Porque desde ahí, desde el deseo, desde el posicionamiento, desde el cuerpo entendido como lugar político de transformación, queremos acercarnos al arte que realizan nuestros creadores hoy. Con esa intención hemos invitado a teóricos, educadores y artistas a pensar y debatir con los participantes en cómo pueden ser contadas esa historia múltiple y en construcción. Ellos romperán el concepto de conferencia académica invitando al público a transformar su posición pasiva y a aprender no sólo con la teoría, sino también con la experiencia de lo inesperado.

El curso se completará con el envío y lectura, en ocasiones preformativa, de textos fundamentales del pensamiento y el arte actuales. Trabajaremos, entre otros, con textos de Susan Sontag, Hélène Cixous, Laura Mulvey, Silvia Federici, Susan Buck-Morss, e Yvonne Rainer.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar con él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra.

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Más información en actividades.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

PROGRAMA

MIÉRCOLES 18 FEB. 18:30 H.
CONTRA LA INTERPRETACIÓN
Estrella de Diego, ensayista y catedrática de Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid. Empezaremos trabajando con el discurso que hay detrás de la muestra Selección Colección Fundación ARCO de la mano de una de sus comisarias y lo entrelazaremos con el conocido texto de Susan Sontag Contra la interpretación. Así pensaremos en las posibles posiciones del espectador y romperemos la manera en la que tenemos preconcebida la visita a un espacio, en apariencia hostil, como es el museo de arte contemporáneo.

MIÉRCOLES 25 FEB. 18:30 H.
Y AHORA, HABLEMOS DEL DESEO
Eva Garrido y Yera Moreno, artistas y educadoras. Juntas forman el colectivo artístico Colektivof
¿De qué forma está presente el deseo en el arte? ¿Cómo se construye nuestro propio deseo en relación con aquello que nos encontramos en el museo? Desde nuestra posición de artistas y productoras culturales, ¿cómo trabajamos y plasmamos nuestros propios deseos? ¿hasta qué punto inventamos otros? A partir de una lectura performativa en la que la teoría dialogará con la producción literaria, abordaremos la relación entre cuerpo/mirada/deseo e imagen en la práctica artística contemporánea.

MIÉRCOLES 4 MAR. 18:30 H.
ENTRE DOS CAMPOS
Pablo Martínez, Responsable de Educación y Actividades Públicas del CA2M y profesor asociado de Historia del Arte, Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid y Fernando García-Dory, artista y agroecólogo.
Intentar definir qué es el arte es una tarea casi tan imposible como poner puertas al campo. Para sumar más debate al debate, enredaremos un poco más el discurso para pensar en torno a las relaciones entre arte y naturaleza. A través de prácticas artísticas que ponen en juego cualidades de lo estético que parecían expulsadas del relato hegemónico de la historia del arte nos aproximaremos a proyectos extradisciplinares en los que lo colectivo, lo procesual y lo performativo desempeñan un papel central.

JUEVES 5 MAR. 18:30 H.

PABELLÓN
Milena Bonilla y Luisa Ungar, artistas
Esta conferencia propone un recorrido visual por diferentes materiales de archivo concernientes al desarrollo de las ferias coloniales europeas. El material seleccionado nos deja con una sorprendente aproximación a la manera en la que se educa la mirada desde el consumo afectivo de rejas, pantallas y escenarios, para lograr una convivencia armoniosa con los espectáculos presentados. La conferencia revisa nociones de desarrollo ligadas a la explotación colonial, desde una perspectiva artística. Esta conferencia se ofrece como apoyo a la exposición Naturaleza Nominal, ARCO Colombia 2015.

MIÉRCOLES 11 MAR. 18:30 H.
HACIA UNA GRAMÁTICA GENERATIVA
Mariano Mayer, poeta y comisario independiente y Julia Spínola, artista
El gesto artístico facilita un tipo particular de existencia. No es un gesto sin intención sino uno de los modos con los que el lenguaje artístico es capaz de construir sus marcos de acción. Pero estos gestos, como los que se evocan en las piezas de Julia Spínola, promueven un estado narrativo no verbal, donde el relato aparece diferido. En esta sesión vamos a recorrer, a través de la gestualidad de un cuerpo que se busca, ese conjunto de fragmentos y dispositivos de narratividad que los artistas elaboran.

MIÉRCOLES 18 MAR. 18:30 H.
SIN CARNET DE INVESTIGADOR
Jaime González Cela, educador del CA2M y comisario, y El Banquete, colectivo de artistas
Una figura cobra importancia en el arte actual: el artista-investigador. A medio camino entre distintos espacios y disciplinas, suele trabajar en torno al medio que habita, planteándose y planteando al espectador la pregunta «¿Sabes dónde vives?» En esta sesión charlaremos sobre el trabajo de artistas y colectivos que actualmente están investigando sobre la ciudad, su historia y sus dinámicas, pero claro, lo hacen a su manera y con resultados, si los hay, muy diferentes. Para este día el colectivo de artistas El Banquete realizará una intervención específica.

MIÉRCOLES 25 MAR. 18:30 H.
EN EL SUBLIME CAPITALISMO
Yayo Aznar, profesora del Departamento de Historia del Arte de la UNED
El propósito de esta charla es pensar la obra de Hirst a partir de dos temas que nos interesan especialmente: la posibilidad o imposibilidad de su arte para proporcionar determinadas experiencias al espectador relacionadas con el viejo concepto de lo sublime y la cuestión de qué puede tener todo esto que ver con el capitalismo feroz con el que convivimos de manera cotidiana.

MIÉRCOLES 8 ABR. 18:30 H.
THE FULL MONTY EXPERIENCE
Ferran Barenblit, director del CA2M

El director del CA2M reconstruirá el discurso que se encuentra detrás de ciertas exposiciones acontecidas en el centro. Una línea de puntos que pasa por la individual de Halil Altindere y el proyecto expositivo Es posible porque es posible de Raqs Media Collective. Esta genealogía viene motivada por los cambios sociales y económicos de los últimos tiempos y prosigue en El ideal infinitamente variable de lo popular, la muestra del artista Jeremy Deller que se exhibirá en la primera planta durante el curso. Los participantes serán invitados a debatir con las obras de esta exposición.

MIÉRCOLES 15 ABR. 18:30 H.
CUERPO, CUERPO, CUERPO…

Aimar Pérez Galí, bailarín. Trabaja desde el cuerpo en investigación, creación, interpretación, escritura y educación.
En 1965 Yvonne Rainer escribe el NO Manifesto.
En 2010 Mette Ingvartsen escribe el YES Manifesto.

En estos más de 50 años el cuerpo ha sido el lugar desde donde se han reivindicado muchas luchas en el arte y, sobre todo, en las artes escénicas y performáticas.  El colectivo Judson Dance Theater, formado en los años 60 y ubicado en la Judson Church del Greenwich Village de Nueva York, fue el lugar donde se libraron gran parte de estas batallas. Este colectivo, que incluía artistas como Trisha Brown, Lucinda Childs, Steve Paxton, Meredith Monk o la misma Ivonne Rainer, entre otras y otros, proponía una democratización de la danza, un espacio para la investigación donde lo colectivo se imponía ante lo individual, donde la experiencia era más importante que la representación, y la participación y la inclusión marcaban las metodologías que proponían con una urgencia para revisar el medio de la danza en sí mismo.

En esta charla-taller performático-participativa revisaremos cuáles fueron esos cambios paradigmáticos que partieron del cuerpo como el lugar desde donde reivindicar otras prácticas artísticas, proponiendo otras políticas que respondían al contexto sociopolítico del momento.  Partiremos del mítico Trio A de Ivonne Rainer y su NO Manifesto para ir trazando una genealogía del cuerpo hasta el día de hoy, pero no lo haremos con un powerpoint sino desde la propia experiencia corporal.

Tipo de actividad
Fechas
MIÉRCOLES 18 FEB — 15 ABR 2015
Temas
Entradilla

La llegada al museo, gracias a la Colección Fundación ARCO, de obras emblemáticas de arte contemporáneo brinda un punto de partida perfecto para el curso. 

Subtítulo
VII CURSO DE INTRODUCCIÓN AL ARTE ACTUAL
Categoría cabecera
Pero esto es arte
PERO... ¿ESTO ES ARTE? 2015
Más información y contacto
¿Es un ciclo?
Desactivado
Duración
18:30 – 20:00 H.

La historia de las prácticas artísticas que se engloban en la categoría de la crítica institucional es muy extensa. Desde los años 60 del siglo pasado en adelante, han sido muchos los artistas que han elegido al museo como territorio en el que trabajar, cuestionándolo de arriba abajo: sus edificios y sus espacios, su gestión económica y patrimonial, sus estrategias museológicas y museográficas, sus modos de contar lo artístico. En los últimos tiempos, otra institución, la academia (el sistema de enseñanza superior de las artes), también ha sido objeto de interés en este sentido. Con ello, estas prácticas han ampliado aún más su radio de acción y, como señalaba Brian Holmes han extendido «el deseo y la necesidad de llegar más allá», de abordar una redefinición de «los modos, los medios y los objetivos de una posible tercera fase de la crítica institucional».

A partir de estas reflexiones el curso se plantea recorrer prácticas artísticas que se sitúan fuera de la institución, en lo extitucional, entendido esto no como una alternativa asentada en las dualidades y dicotomías a las que tan acostumbradas nos tienen las reflexiones sobre lo cultural en general y lo artístico en particular, sino como fuga, como dispersión hacia un campo sin límites. Este marco temático de la institución/extitución se podría describir de una manera más resumida como DentroFuera, el nombre del colectivo que impartirá una de las charlas. Su lema, cada vez menos arte, un enunciado tan sencillo como ambiguo y enigmático, explica también el territorio difuso que podría construirse con las prácticas que el curso propone presentar.

¿Por qué estos temas, aquí y ahora? Por la centralidad de las recientes discusiones sobre una nueva institucionalidad, en unos tiempos que, desde el «no nos representan» de las plazas, nos enfrentan al deseo de construir el espacio social y político que nos pertenece. ¿Qué hace el arte en todo esto? Las respuestas que proponemos lo sitúan en los cuerpos que experimentan con las formas de hacer democracia, en paseos por espacios públicos que nos hacen sensibles a otras formas de habitar, en los imaginarios que construyen los carteles políticos, en las herramientas de las comunidades obreras, en lugares y tiempos de excepción en los propios museos, en la mesa de un bar… En la vida, ese lugar que el arte no debería abandonar jamás.

Selina Blasco, directora del curso

PROGRAMACIÓN

MIÉRCOLES 10 FEB.18:30 H.
CON EL MUSEO, PERO…
Selina Blasco, profesora de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes UCM

Desde que el pintor Hubert Robert se fuese a vivir al Louvre en el siglo XVIII, los artistas han tomado el museo de muchas formas, a veces inimaginables. Museos pintados, museos fotografiados y filmados; museos portátiles, imaginarios, queer… Los han construido literal y metafóricamente, han intervenido sus espacios y sus colecciones, han diseñado museografías y montajes de obras propias y ajenas; se han apropiado de sus herramientas y sus estrategias narrativas. ¿El museo para quien lo trabaja?

MIÉRCOLES 17 FEB.18:30 H.
SIN EL MUSEO
Selina Blasco, profesora de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes UCM

La destrucción está inscrita en los orígenes del museo, una institución que nace de la rapiña laica y republicana de los bienes de la monarquía y de la iglesia del Antiguo Régimen. La historia alimenta este germen con múltiples prácticas artísticas, desde la afirmación de la destrucción como labor en las vanguardias históricas («hay una tarea destructiva por hacer; barrer, asear», decía Tristan Tzara) hasta las demoliciones literales y metafóricas de tiempos recientes y la actualidad. Entre las primeras, la instalación Samson de Chris Burden en la que unas vigas empujaban lateralmente y agrietaban los muros de la Henry Art Gallery de la Universidad de Washington a medida que los visitantes hacían girar el torno de entrada, o los boquetes de Urs Fischer en las paredes de la Bienal de Whitney. Entre las segundas, el museo borrado de Emilio Hernández Saavedra, recreado por Sandra Gamarra, o el museo vacío, una de las posibilidades más interesantes, por lo que señala, y por las posibilidades de okupación que abre, como se demostró en la Bienal de Sao Paulo de 2008, cuando Ivo Mesquita dejó vacía la planta tercera del edificio de Oscar Niemeyer y fue asaltada por jóvenes que llenaron las paredes de grafittis.

MIÉRCOLES 24 FEB. 18:30 H.
TENTATIVAS DEMOCRÁTICAS DESDE LAS ARTES EN VIVO
Victoria Pérez Royo, profesora de Estética y Teoría de las artes en la Universidad de Zaragoza y co-directora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la UCLM

En esta clase se propone reflexionar acerca de una serie de prácticas y gestos realizados por artistas procedentes de las artes en vivo que están funcionando como laboratorios radicales de experimentación con formas de democracia. En todos ellos el cuerpo juega un papel central, prácticamente olvidado en la teoría política y ausente en las formas actuales de representación democrática.

Se prestará atención al papel del cuerpo en relación a tres dimensiones (no etapas) de los procesos de transformación social: gestos destituyentes, dinámicas instituyentes y procesos constituyentes (Expósito 2014), con el fin de facilitar un acceso transversal a prácticas como las de Paz Rojo, Juan Domínguez, Ana Borralho y João Galante, Erdem Gündüz o Amanda Piña y Daniel Zimmermann.

MIÉRCOLES 2 MAR. 18:30 H.
DOBLE NEGACIÓN
Javier Fernández Vázquez, cineasta y cofundador de Los Hijos, colectivo dedicado al cine de no-ficción y a la etnografía experimental.

Un artista califica de imbécil al conductor de la excavadora que ejecuta su obra de land art en una playa de Rotterdam. El trabajador continúa removiendo la arena con la pala y permanece ajeno al ex-abrupto. Durante el registro audiovisual de la intervención ni tendrá oportunidad de defenderse ni le veremos la cara.

Las actividades llevadas a cabo por las comunidades obreras −frecuentemente  en colaboración con máquinas y herramientas mecánicas−permanecen bien invisibles, bien despojadas de relevancia cuando entran en contacto con las categorías del mundo del arte. Se trata de un trabajo oculto, desarrollado por personas físicas, que habita una tierra de nadie, tan ajeno a las nociones románticas que definen el virtuosismo técnico como a las consideraciones intelectuales del trabajo inmaterial.

Partiendo de los escombros del land art y haciendo una parada en la obra de Robert Morris Caja con el sonido de su propia fabricación, nos introduciremos en las ruinas industriales de Bilbao para explorar el paradero de unos artefactos industriales −miles de moldes para la fundición de acero− tras su paso por el mercado de antigüedades y por varias exposiciones artísticas. Unos objetos que, en su propia materialidad, incorporan el trabajo de unas personas pertenecientes a comunidades obreras que ya han desaparecido y por los que nadie parece haber preguntado.

MIÉRCOLES 9 MAR. 18:30 H.
LA CIUDAD AMPLIFICADA

Lila Insúa, artista y profesora en la Facultad de Bellas Artes UCM

Esta sesión propone un recorrido por las prácticas escénicas, arquitectónicas y artísticas que han tomado la ciudad como un elemento que posibilita la intervención. A través de prácticas artísticas que transmutan nuestra percepción del barrio, los cuerpos que son amplificados en el paseo por el entorno público, la ciudad aparece en estos proyectos como otro agente interlocutor con el que dialogar. La conferencia revisa algunos dispositivos de los que se valen los creadores: revistas caminadas, ocupación de espacios públicos y otras capaces de alterar la forma en que habitamos.

MIÉRCOLES 16 MAR. 18:30 H.
PAS DE DEUX
Victoria Gil-Delgado y Pablo Martínez. Victoria es educadora del CA2M y Pablo trabaja como responsable de educación y actividades públicas también en CA2M

En el año 2012 Xavier Le Roy presentó en la Fundación Tàpies de Barcelona Retrospective, una exposición concebida como una coreografía de acciones. El museo se convertía en un espacio de los cuerpos, de la temporalidad y de la transmisión. La teatralidad propia del arte quedaba desvelada y subrayada en cada nuevo pase de las performances realizadas por los 16 bailarines siempre dispuestos para la acción aunque solamente activos con la entrada de cada nuevo espectador en las salas de la institución. En 2016 Xavier Le Roy presenta en el CA2M un trabajo durante 6 meses de título La réplica infiel en el marco de la exposición del mismo nombre comisariada por Nuria Enguita y Nacho París. En esta propuesta Xavier pasará cada mes tres días en el museo enseñando una coreografía durante una hora a los visitantes que quieran formar parte del proyecto. Este particular acto de transmisión nos servirá como punto de partida para pensar en esta clase acerca de las posibilidades de la educación, los cuerpos que produce el museo, las subjetividades que convoca y los comportamientos a los que incita el cubo blanco. Hablaremos de proyectos en los que los públicos trabajan con obras y artistas y de lo que esto produce. Espacios adulterados y mixtos que se alejan de la distancia de la obra expuesta y provocan espacios de excepción. Un lugar donde todo está siempre por hacer.

MIÉRCOLES 30 MAR. 18:30 H.
PRÁCTICAS ARTÍSTICAS DE CONTEXTO E IMAGINACIÓN POLÍTICA
Santiago Barber, propositor cultural, artista visual, performer, activista, creador escénico y sonoro.

Vamos a tratar de acercarnos a prácticas artísticas recientes articuladas en contextos y problemáticas sociales específicas, y como éstas pueden suponer ejercicios de imaginación política. ¿Qué estrategias creativas y comunicativas fomentan estructuras de interacción?, ¿bajo qué modelos pueden las propias comunidades producir otros espacios de relación y recepción para sus prácticas culturales y políticas?

Actuar desde los procesos sociales vivos, despliegue en lo cotidiano y lo que se reconoce como común, provocar procesos agregadores y desbordantes, intervenir sobre los imaginarios y la cultura popular, destreza en la toma del espacio público y poner en valor al proceso frente a una visión idealizada de la «obra» serán algunas de las cuestiones sobre las que pivotará nuestro encuentro.

MIÉRCOLES 6 ABR. 18:30 H.
CHINDASVINTO
DentroFuera es un colectivo formado por un número variable de artistas y personas sin hogar empeñados en crear acciones de carácter artístico, o no, que tratan de derribar los estereotipos formados en el ámbito de la exclusión social. Este colectivo ha estado siempre coordinado por Julio Jara y Tono Areán.

Café elíptico… elipsis/sobreentendido… cómo hablar de DF sin hablar de ello… sin techo son elípticos… un sitio donde poder ser… cualquier cosa… sin tener que decirlo… que no pesa… lo interesante de DF es que no pesa… el menos arte del lema no es una negación, sino que afirma el hecho de que el arte no pesa, de que el arte se da por sobreentendido… el yo de DF será, es, un sujeto sobreentendido, elíptico en la acción que se proponga… artistas sobreentendidos en la Universidad… un fragmento de DF (Chindasvinto, 78) que habla de un todo… el catálogo está en el canto de las hojas... la acción se desarrolla en la mesa de un bar: dos amigos −dos usuarios− se reúnen en un bar para tratar de organizar una clase que tienen que dar sobre la historia de un lugar… cronómetro: 45'… corriente…

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar con él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las sesiones presenciales se complementan con el trabajo personal de cada asistente en relación a textos que serán entregados antes de cada una de las sesiones del curso

 

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Más información en educacion.ca2m@madrid.org o en 912 7600227

Tipo de actividad
Fechas
MIÉ 10 FEB — 6 ABR 2016
Temas
Entradilla

La historia de las prácticas artísticas que se engloban en la categoría de la crítica institucional es muy extensa. Desde los años 60 del siglo pasado en adelante, han sido muchos los artistas que han elegido al museo como territorio en el que trabajar, cuestionándolo de arriba abajo.

Categoría cabecera
Esto es arte
PERO...¿ESTO ES ARTE? 2016
Más información y contacto
¿Es un ciclo?
Desactivado
Duración
18:30 —20:00 H.

Cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Durante este otoño, en un nuevo curso de la Universidad Popular, dialogaremos con artistas, teóricxs, colectivos y activistas acerca de uno de los términos de mayor expansión en las prácticas artísticas contemporáneas de los últimos años, lo queer. Término heredado del contexto anglosajón, y traducido a menudo como raro o extraño, a lo largo de las cinco sesiones que compondrán este curso trataremos de definir, a la vez que desbordar, los múltiples significados que han ido articulando lo queer en la producción artística contemporánea. Para ello, y en un primer ejercicio de reapropiación y desvío del término original en inglés, situaremos nuestro debate en el contexto artístico español desde los años 90 hasta la actualidad, analizando junto con nuestrxs invitadxs cuáles han sido las derivas de lo queer en este contexto, qué prácticas se han generado desde allí, cuál ha sido el diálogo que se ha ido dando entre estas prácticas y las propuestas lanzadas desde posiciones teóricas y qué imaginarios disidentes se han ido produciendo en relación al cuerpo, la identidad, los afectos y los deseos.

Teniendo en cuenta las posibilidades del arte, en tanto que productor de ficciones y nuevos imaginarios, para cuestionar la normalidad y situarse en la extrañeza, el curso sigue la línea de pensamiento que el CA2M viene desarrollando en torno a las pedagogías queer durante los últimos años. A la vez, este debate sobre lo queer que iniciaremos juntxs pretende ser el punto de partida para el nuevo programa expositivo de la temporada, que se inaugurará con la exposición dedicada a las artistas Cabello/Carceller, Borrador para una exposición sin título, artistas que desde los años 90 vienen centrando sus prácticas en torno a la crítica feminista, queer y decolonial.

Dirigido por Colektivof (Eva Garrido+Yera Moreno)

PROGRAMA

MIÉRCOLES 26 OCT. 18:30 H.
A próposito de Borrador para una exposición sin título. Una conversación entre Cabello/Carceller  y Manuel Segade
Abrimos el curso de la Universidad Popular con una conversación entre Manuel Segade, director del CA2M y comisario de la exposición Borrador para una exposición sin título, de Cabello/Carceller, y las propias artistas. Aprovechando la exposición dedicada a las artistas charlaremos, a partir de su trayectoria tanto artística como curatorial y de muchos de sus proyectos expositivos, del contexto de las prácticas artísticas españolas desde los años 90 en relación a la expansión y devenires de lo queer y del feminismo en dicho contexto.

Manuel Segade, director del CA2M
Cabello/Carceller, artistas, comisarias y profesoras en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.

MIÉRCOLES 2 NOV. 18:30 H.
Tomboys, Marimachas, Trans, Bedesemeras
Toxic Lesbian surge en 2005 como un proyecto artístico Copyleft vinculado al nuevo género de arte público y el ciberfeminismo desde perspectiva de género y orientación sexual. Sus piezas se generan mediante procesos de colaboración con organizaciones activistas e instituciones culturales. Performance, videoarte, diálogos abiertos, intervención en fachadas digitales, son algunas concreciones de sus obras.

En ellas se implica a personas que representan a la sociedad civil sobre su manera de vivir su cuerpo, su identidad o su sexualidad como integrantes de una sociedad abierta y diversa. Como ciudadanía de pleno derecho las obras colaborativas se generan tanto en el contexto de instituciones museísticas públicas que integran a todxs como en espacios representativos de estas culturas urbanas.

Elena Tóxica, artista y activista, integrante de Toxic Lesbian

MIÉRCOLES 9 NOV. 18:30 H.
Arte cuir del de aquí y ahora: casos y debates sobre activismo, concepto, plástica, investigación, cultura y mercado
La sesión pretende abordar un conjunto de ejemplos que expongan diversos aspectos de las consideradas prácticas artísticas queer en el Estado español en los últimos 15 años: desde su trascendencia social (nivel de impacto en imaginarios y políticas sociales), su relación con canales y agentes del arte contemporáneo o la interconexión entre ambas cuestiones.  O.R.G.I.A, Post-Op y otros colectivos y artistas, protagonizarán los diferentes casos.

Tatiana Sentamans, artista O.R.G.I.A, investigadora y profesora de la Facultad de Bellas Artes de Altea.

MIÉRCOLES 16 NOV. 18:30 H.
Feminismos, resistencias y vida en común
¿Cuál es la relación entre los feminismos y lo queer? ¿Cómo se han dado estas relaciones de forma específica en el contexto español? ¿A qué nos referimos al hablar de los feminismos de la tercera ola y cuáles son sus reivindicaciones y problemáticas? ¿Cuáles son las redes activistas que se forman y las alianzas que se van estableciendo en el contexto actual? ¿De qué forma han abordado los feminismos la llamada crisis del sujeto y cómo ha afectado ésta a las políticas activistas? ¿Qué hay de queer en los nuevos feminismos y qué hay de feminismo en lo queer? Estas y otras cuestiones serán abordadas por Silvia L. Gil situando el debate en las intersecciones entre teoría, práctica, activismo y resistencias en el contexto español.

Silvia L. Gil, investigadora, doctora en Filosofía y activista feminista.

MIÉRCOLES 23 NOV. 18:30 H.
La escuela, ese lugar raro. Sobre pedagogías queer y la extrañeza de lo normal
Una línea atraviesa el espacio del aula, dejándolo dividido en dos. A un lado, los normales, al otro, lxs rarxs. Comienza el movimiento de cuerpos. Con cada consigna la línea va mostrando su fragilidad, su absurdo, y aunque permanece en el suelo, no está intacta, su división es cada vez más precaria. Es asaltada por los cuerpos, pisoteada por tanto movimiento, ocupada por ellos.

Con cada movimiento se difumina un poco más y pierde su sentido. De eso trata esto, de perder sentido.

¿Y si convirtiéramos la escuela en un lugar raro? Como artistas y educadoras, ¿qué puede hacer la práctica artística para imaginar otros espacios educativos? ¿Y para hacerlos reales? En esta última sesión del curso compartiremos nuestras experiencias y prácticas en relación a unas posibles pedagogías queer, mostrando la extrañeza de lo normal, su fragilidad y, a su vez, su papel hegemónico en los cuerpos, los afectos, los deseos y las identidades que transitan por ese espacio al que llamamos escuela. ¿Y si le damos la vuelta a ese espacio? ¿Y si esas normalidades asumidas a diario fueran puestas en cuestión? ¿Cómo sería esa escuela?

Colektivof (Eva Garrido + Yera Moreno), artistas y educadoras

MIÉRCOLES 30 NOV. 18:30 H.
Imágenes para la utopía queer. Disidencias de sexo, género y sexualidad en la práctica artística española
Las teorías y las reivindicaciones queer del comienzo de la década de los noventa y su insistencia en el carácter construido social, cultural y políticamente de los sexos, los géneros y las prácticas sexuales tuvieron un rápido impacto en la producción visual del arte contemporáneo. Una mirada a las producciones artísticas de ese momento pone de relieve la importancia de toda una serie de masculinidades consideradas minoritarias y marginales y que hasta entonces habían estado alejadas, por no decir vetadas del marco de la representación. Ese conjunto de nuevas representaciones articuladas desde los enfoques de grupos lesbianos, gays, de minorías raciales, transgénero, transexuales, de mujeres… supusieron un cuestionamiento y una desestabilización de la masculinidad hegemónica, multiplicando las formas de entender y habitar lo masculino. Transcurridas más de dos décadas de esa eclosión cabe trazar una mirada retrospectiva y preguntarnos por el estado de la cuestión en el momento actual. ¿Qué ha ocurrido con la utopía de tantos géneros, tantos sexos y tantas sexualidades como personas -la utopía del fin de la política- en el contexto de las complejas sociedades globales actuales?

Jesús Martínez Oliva, artista, investigador y profesor en la Facultad de Bellas Artes de Murcia.

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo.

Durante el curso se podrá consultar una selección de publicaciones en la biblioteca del CA2M.

Más información en actividades.ca2m@madrid.org  o en 912 760 227

Tipo de actividad
Fechas
MIÉRCOLES 26 OCT — 30 NOV 2016
Temas
Entradilla

Durante este otoño, en un nuevo curso de la Universidad Popular, dialogaremos con artistas, teóricxs, colectivos y activistas acerca de uno de los términos de mayor expansión en las prácticas artísticas contemporáneas de los últimos años, lo queer.

Subtítulo
CUERPOS, SUJETOS, AFECTOS Y OTRAS RAREZAS EN LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA CONTEMPORÁNEA
Categoría cabecera
Queer
PERO...¿QUÉ ES QUEER?
Más información y contacto
Pie media

La trapecista norteamericana Laverie Vallee alias Charmion. Fotografía en blanco y negro a partir de un negativo de vidrio, ca. 1903-1906"; EN: Sentamans, Tatiana (2010), Amazonas mecánicas: engranajes visuales, políticos y culturales, Madrid: MECD

¿Es un ciclo?
Desactivado
Duración
18:30 — 20:00 H.

Destinado  a cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Más información en educacion.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

Esta edición de Pero… ¿esto es arte? aspira a generar un marco que dé cabida a una sensación que, después del camino que llevamos recorrido, proponemos compartir: el asombro ante el poderío del arte para manifestarse en una multiplicidad inabarcable y para inventar distintos modos de hacerse y de contarse. En vez de mitificar el arte pre-suponiéndolo inaccesible, acerquémonos a todas las partes en las que está y es posible encontrarlo. La pregunta se convertiría más bien en una afirmación: Pero… ¡esto es arte!

Para ello proponemos una constelación de relatos sobre algunas de sus infinitas posibilidades, con el ánimo de que nos proporcionen ánimo y herramientas para, desde el regocijo, dinamitar el infortunio. Un curso para defender el arte del sistema.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar en él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la presentación de un tema por un invitado seguida por otra en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las sesiones presenciales se complementan con el trabajo personal de cada asistente en relación a textos que serán entregados antes de cada una de las sesiones del curso.

Dirigido por Selina Blasco

PROGRAMA

EL ARTE Y LAS CUALIDADES MATERIALES DE LO TEXTIL
15 FEBRERO
El universo de lo textil (tejidos, bordados, texturas, suturas, hilvanados, zurcidos, rotos o descosidos) es, como la capacidad de reinvención del arte que proponemos en el curso, el mundo de nunca acabar. Un abanico de sugerencias perfecto para una primera sesión.

Selina Blasco es profesora de Historia del arte en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.

LO QUE EL MUNDO NO ES. FICCIONES DOCUMENTALES Y ARTE CONTEMPORÁNEO
22 FEBRERO
Gracias a nuevos formatos audiovisuales como el  documental de autor o  el  llamado cine de no-ficción hemos visto en décadas recientes cómo se disolvían las ya de por sí tenues fronteras entre ficción y no-ficción, o entre el arte contemporáneo y otros campos adyacentes o más o menos diferenciados. La hibridación formal ha llegado para quedarse.

Sin embargo, aunque el número de producciones audiovisuales de este tipo no para de crecer, sigue tratándose de obras alejadas de los hábitos del gran público y de los circuitos comerciales principales, lo cual restringe de entrada el acceso a ellas, limitándolo a canales de distribución minoritarios.

¿Qué lecciones trans-disciplinares nos aportan estos proyectos audiovisuales? ¿Cómo podemos tener acceso a ellos y sacarles partido? ¿Cómo integrarlas en nuestras formas de ver, en nuestras clases, en nuestras prácticas artísticas/intelectuales/políticas/afectivas?

Sally Gutiérrez es artista visual; trabaja con formatos expandidos en un campo híbrido entre el arte contemporáneo, el ensayo visual y el documental.

DESBORDES. EL ARTE COMO PROCESO SOCIAL
1 MARZO
La pregunta por la función social del arte trasciende hoy los ejes clásicos del arte público, al configurar nuevos escenarios de negociación, acción y pensamiento que generan procesos sociales relacionados con otras disciplinas y modos de producción cultural. En esta sesión vamos a examinar algunas de las experiencias que han producido un desplazamiento de la producción simbólica hacia nociones como colaboración y participación. Para ello, partiremos de algunos ejemplos clásicos y profundizaremos también  en experiencias cercanas, situadas en el contexto de la ciudad de Madrid.

Francisca Blanco Olmedo es productora e investigadora cultural y forma parte del equipo curatorial de Intermediae Matadero.

LA ESCUCHA REVUELTA
7 MARZO
En 1961, John Cage preguntaba en su habitual estilo rompedor y provocador si es más musical un camión que pasa por delante de una fábrica o uno que pasa por delante de una escuela de música, para colocarnos ante los prejuicios que portamos acerca de lo que es musical o no, y tratar así de abrir nuestros oídos a todo lo que suena.

Queremos hacer un recorrido por prácticas sonoras y musicales que desde el siglo XX plantean un cambio drástico en relación con lo sonoro y lo que consideramos música poniendo en juego cómo percibimos y cómo hacemos con lo sonoro. Alterar la percepción puede traer consigo una alteración de la posibilidad de acceder a diferentes y más variados modos de pensamientos y con ellos otros modos de hacer mundo. Aquí radica la potencia política de la escucha. Solemos pensar que la percepción es algo pasivo y natural, que los ojos y los oídos son meros orificios por los que hacer pasar las imágenes visuales y sonoras a nuestro cerebro, simplemente. El neoliberalismo y, especialmente, la publicidad tienen clarísimo que no es así: son expertos jugadores en los niveles de lo perceptivo, de lo afectivo, de lo inconsciente.

Quien escucha se trama y se encuentra o se desencuentra con lo que suena: se le hilvanan, deshilvanan, desajustan, confrontan memorias, expectativas, afectos, gestos, pensamientos, relaciones todas ellas tejidas por las experiencias, las convenciones, los hábitos, por el mundo y el momento en el que vivimos. Exponerse a la escucha es arriesgarse a que esos hilos se tensen, se alteren, se suspendan, se rompan o se enlacen de otro modo. En esta sesión nos acercaremos a músicas experimentales y artes sonoros que plantean la escucha como dispositivo político.

Anouk Devillé y Susana Jiménez Carmona son integrantes de Cuidadoras de sonidos.

SIMETRÍA RADICAL. EL REPARTO DE LO TECNOLÓGICO
15 MARZO
Para habitar el presente urge atender al «mundo» como una composición producida y cuidada por una diversidad de agentes humanos y no-humanos. Observando nuestra convivencia cotidiana en estos ecosistemas objetuales, podemos entender las políticas, éticas y estéticas que nos convocan cada día, y asumir que nuestras prácticas tecnológicas más banales -y a menudo inadvertidas- «hacen mundo» ¿Qué formas artísticas se despliegan desde esta sensibilidad? ¿Qué saberes cotidianos nos informan de la mutua configuración de sujetos y herramientas? ¿Qué implicaría situarnos en una posición de simetría radical con respecto a lenguajes, infraestructuras y medios? ¿Supondría tal gesto un reparto de posibles diferente al de la norma digital contemporánea?

Jara Rocha es mediadora, comisaria, investigadora y docente, desarrolla su práctica en marcos como Possible Bodies, Infra-, Objetologías, The Darmstadt Delegation o el área de proyectos de Bau.

EL CAMINO MÁS LARGO
22 MARZO
Muchos artistas que trabajan hoy apuestan por un desvío en el modo eficaz de hacer las cosas, por elegir la opción más absurda y costosa de llegar al mismo punto. Por eso a veces cuesta entender algunas decisiones artísticas y esto genera un sinfín de malentendidos con los públicos. ¿Por qué un artista construye un barco durante meses dentro de un museo si luego el barco no cabe por la puerta y nunca navegará?, por ejemplo. En esta sesión pensaremos juntos el porqué de estos aparentes sinsentidos con obras de artistas que trabajan retando las lógicas del tiempo y la productividad. A partir de ellas podemos imaginar nuevas formas de hacer con otras personas y quizá experimentar qué tiene de emocionante coger el otro camino.

Vito Gil-Delgado es una de las responsables de educación del CA2M.

RECONSTRUIR LAS DANZAS DEL PASADO
29 MARZO
En esta charla sobre prácticas escénicas se analizarán obras de danza actual que abordan la dificultad de la reconstrucción de obras del pasado.

Recuperar danzas del pasado puede responder a dos objetivos bien distintos. Uno, nostálgico, sería el de nublar la vista sobre el presente afirmando que todo pasado fue mejor. Otro, bien distinto, tiene por objeto el diálogo mismo con la historia presente.
En esta charla se recorrerán coreografías contemporáneas que asumen el reto de revisar su propia historia para detectar las fisuras abiertas en la línea de un relato y habitar sus pliegues desde un entrelazado ejercicio de memoria y de olvido. Tales coreografías desarrollan en su práctica modos insospechados de relacionarse con el documento, el archivo, la memoria, la transmisión corporal o la temporalidad.

Se compartirán cuestiones en torno al trabajo de Fabián Barba sobre Mary Wigman o al de Olga de Soto sobre Jean Cocteau, entre otros.

Isabel de Naverán es investigadora, docente, autora de textos, editora, coordinadora y organizadora de seminarios, jornadas y/o programas relacionados con la práctica artística contemporánea, especialmente la coreografía experimental.

CUANDO LOS ARTISTAS VIVEN JUNTOS: COMUNIDADES Y COMUNAS ARTÍSTICAS EN EUROPA
5 ABRIL
En diversos momentos de la historia, los artistas han decidido vivir juntos por motivos que son, a un tiempo artísticos y sociales. Así, en el espacio de esta especie de «comunas», se busca aunar los ideales sociales y las ambiciones de experimentación artística. Pese a su gran interés para distintas disciplinas humanísticas, apenas han sido estudiadas. De ahí el interés por indagar en torno a qué formas de vida han propuesto los artistas a través de su propia praxis. La pregunta fundamental que buscaremos responder es: ¿de qué manera se desarrolla la imaginación utópica y la experimentación social a través del arte? Así, exploraremos los vínculos entre arte y utopía, concretados en el espacio real de las comunidades de artista.

A partir de los casos particulares se pretende ofrecer una visión panorámica y una breve genealogía. Se hará énfasis en cómo los distintos casos dialogan con su contexto, relacionándose simultáneamente con las distintas oleadas de comunitarismo y con el entramado artístico de carácter metropolitano.

Julia Ramírez Blanco es historiadora del arte, autora del libro Utopías artísticas de revuelta. Claremont Road, Reclaim the Streets, la Ciudad de Sol (Cátedra, 2014), donde se exploran las dimensiones estéticas y utópicas de algunos movimientos sociales.

Tipo de actividad
Fechas
MIÉRCOLES 15 FEB-5 ABR 2017
Temas
Entradilla

Esta edición de Pero… ¿esto es arte? aspira a generar un marco que dé cabida a una sensación que, después del camino que llevamos recorrido, proponemos compartir: el asombro ante el poderío del arte para manifestarse en una multiplicidad inabarcable y para inventar distintos modos de hacerse y de contarse.

Subtítulo
IX CURSO DE INTRODUCCIÓN AL ARTE ACTUAL
Categoría cabecera
Universidad Popular
Pero...¿Esto es arte? 2017
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¿Es un ciclo?
Desactivado
Duración
18:30 —20:00 H